Левицкий Александр Андреевич (1885-1965) 14 страница
«Мы благодарим Вас не только за то, что Вы научили нас профессии и увлекли в удивительный мир искусства кино, но главное за то, что Вы научили нас жить в этом искусство').
Д. Барщевский, Н. Виолина
Л. В. Косматое
«Зачем нужен цвет? Для радости. Цвет — это красиво, это празднично. Цветное кино должно отвечать стремлениям человека к красоте. И ему это удается в большей мере, чем другим искусствам»,— так писал Александр Довженко осенью 1945 года, работая над сценарием будущего цветного фильма «Жизнь в цвету» («Мичурин»).
О цвете мечтали и другие кинематографисты. С. М. Эйзенштейн очень точно отметил это еще в 1940 году: «Лучшие работы наших операторов по существу уже давно потенциально цветовые. Пусть еще «малой палитры» бело-серо-черного диапазона, но в лучших своих образцах они нигде не кажутся
такими «трехцветными» от бедности выразительных средств. Они настолько композиционно цвето-мощные, что кажутся умышленным самоограничением таких мастеров, как Тиссэ, Москвин, Косматов, словно пожелавших говорить только тремя цветами: белым, серым и черным, а не всей возможной палитрой».
Первый цветной фильм режиссера Довженко «Мичурин» стал первым цветным фильмом Л. В. Косматова.
На обсуждении картины Довженко сказал: «Мичурин» принес нам радость цвета». С полным основанием к этим словам мог бы присоединиться и Косматов. Но чтобы ощутить эту радость, потребовались годы упорнейшего труда и поисков в черно-белом кино (на счету Косматова к началу работы над «Мичуриным» было уже около двадцати фильмов) п два года экспериментов, ошибок и открытий, поражений и успехов в непосредственной работе над цветными съемками.
|
|
Учиться было не у кого: цветное кино делало первые шаги, и весь его опыт сводился главным образом к утверждению, что хороший цвет можно получить только в павильоне, на натуре же цветная съемка чуть ли и вовсе невозможна. А «Мичурин» создавался как фильм в полном смысле натурный: живая природа, сады, луга стали такими же персонажами, «действующими лицами» драмы, как и люди.
Цветовое новаторство Довженко и его творческой группы (кроме Косматова в нее входили режиссер Ю. Солнцева, оператор Ю. Кун, художники М. Богданов и Г. Мяспиков) состояло прежде всего в том, что впервые в цвете, в движении, а еще точнее — в движении цвета был создан на экране величественный образ одушевленной природы.
Уже в самых первых кадрах фильма жизнь природы передается движением цвета. Краски природы преображаются со сменой погоды, дня и ночи, времен года. Тени облаков пересекают луга, и цвет лугов меняется, тускнеет, чтобы потом вспыхнуть под солнцем с новой силой... Сад темнеет, замерзая, и расцветает снова...
|
|
Создатели «Мичурина» не ограничились только «внешним» движением цвета. Основное внимание они уделили драматической динамике цвета, его участию в конфликте, в противоречиях и единстве человека и природы, раскрывавшихся в сценарии Довженко на уровне философских обобщений, размышлений о жизни и смерти.
Косматова захватил высокий поэтический тон сценария, он старался передать его пластически — в композиции, в динамическом колорите. И многие сцены фильма, снятого тридцать лет назад, до сих пор остаются непревзойденными примерами эмоциональной изобразительной передачи сложнейшего поэтического содержания.
Это прежде всего большой эпизод смерти жены Мичурина с контрастным переходом от кадров в спальне, освещенной красным светом лампадки, с их душной горестной атмосферой, к воспоминаниям о молодости, идущим на фоне голубого неба и золотистой желтизны бескрайнего пшеничного поля, с постепенным изменением, помрачнением цвета в кадрах воспоминаний о мучительном разговоре с женой в осенней саду, наконец, с возвращением действия в спальню к крупному плану потрясенного горем Мичурина. Поразительными по своей экспрессии кадрами завершается сцена. Свинцово-серое небо... Ветер... Голые, безлистые черно-коричневые ветки хлещут стремительно идущего по саду Мичурина...
|
|
К таким эпизодам относится и кульминация фильма, когда больной Мичурин приходит в скованный морозом сад, потрясенный известием о смерти Ленина. Белесые зимние кадры сада сменяются кадрами снежных горных вершин, потом кадрами ледохода, разлива реки с черными стволами деревьев и плывущими между ними серебристо-серыми льдинами. Появляются зеленые островки в саду — вода уходит. И вот уже распускаются цветы яблони. Панорама по цветущим ветвям. Мичурин в белом костюме на фоне голубого неба. Он стоит на высокой садовой лестнице и дирижирует — да, да, именно дирижирует цветением сада.
Безошибочно выбранный колорит каждого кадра, учитывающий связь кадров друг с другом, точный монтаж, наконец, превосходная музыка Д. Шостаковича — все это органически слилось в прекрасную поэму о красоте природы и бессмертии Человека-творца...
Операторские достижения в «Мичурине» не ограничивались новым для цветного кино подходом к съемке натуры. Не меньший интерес представляет и работа над портретами, в первую очередь самого Мичурина. Фильм охватывал около пятидесяти лет жизни великого садовода. Применяя различные способы освещения, Косматов добился не только возрастной достоверности портретов Мичурина, но и, что особенно важно, их психологической глубины, соответствия характера портрета внутреннему состоянию героя. Одним из первых в советском, да, пожалуй, и в мировом кино он использовал при съемке портретов цветное освещение, которое помогало воспроизводить тончайшие нюансы цвета (например, рефлексы от красного света лампадки) и вместе с тем создавало дополнительные «краски» в цветовом раскрытии образа.
|
|
На Международном кинофестивале в Марианске Лазни (1949) «Мичурин» получил премию как лучший цветной фильм. Первая встреча Косматова с цветом стала победой оператора.
Почему именно с «Мичурина» начат рассказ о творчестве Леонида Васильевича Косматова? В «Мичурине» — одной из лучших работ оператора — как в фокусе собрались все особенности его творчества.
Для Косматова характерен постоянный интерес к новым выразительным средствам, причем применяемым не для эффектов, не по принципу «лишь бы новое», а для усиления художественного воздействия фильма на зрителей. Так было с цветом в «Мичурине», так было позже с широким экраном.
В «Мичурине» очень хорошо проявилось и настойчивое, постоянное тяготение Косматова к «живописности». Сухие, графические построения никогда не привлекали его.
Однако само по себе умение выявить и использовать новые выразительные средства, умение сделать кадр живописным вовсе не гарантирует успеха. Важно прежде всего найти отвечающее замыслу сценариста и режиссера пластическое решение фильма в целом. В «Мичурине» отлично видно, что Косматов считает своей основной задачей не эффектное, яркое выполнение отдельного кадра или эпизода, хотя он тщательно работает над его композицией и колоритом, а подчинение каждого кадра общей идее, общей композиции, общей стилистике фильма. И это еще одна характерная черта творчества Косматова, проявившаяся уже в первых его фильмах, снятых в конце 20-х годов.
В 1928 году в связи с выходом на экран фильма «Каторга» в журнале «Советский экран» была напечатана небольшая заметка Косматова. Вот ее полный текст:
«Молодая советская кинематография показывает важность безусловной спаянности всего, что делает оператор, с тем, чего хочет постановщик.
Распределение света.
Тон фотографий.
Увязка общей композиции кадра с композицией движения.
Все это факторы психологического воздействия на зрителя.
Помогать действию, а если нужно и характеризовать его, было моей целью, когда я работал над картиной «Каторга».
В нескольких фразах, написанных в свойственном тому времени «телеграфном» стиле, задачи оператора сформулированы коротко и точно. И написал это не умудренный опытом мастер, а начинающий оператор, снявший всего два фильма.
Характерно, что в первую очередь Косматов говорит о важности «спаянности» режиссера и оператора. Безусловность этого он познал на практике, при работе над своими первыми, еще немыми фильмами, которые он снял с режиссером Ю. Райзманом по сценариям С. Ермолинского: бытовая драма «Круг», «Каторга» — фильм об ужасах царской каторги и
стойкости революционеров, полудокументальный фильм «Земля жаждет», посвященный социалистическим преобразованиям в Туркмении. Все три фильма отмечены поиском своей темы, своего языка.
Продемонстрировав уверенный профессионализм в показе современного быта в «Круге», они берутся за совершенно непохожую на него «Каторгу». Добившись в «Каторге» большого успеха в напряженном, экспрессивном изобразительном решении сложной трагической темы (здесь пми был освоен, по-своему, конечно, опыт режиссеров Г. Козинцева и Л. Трауберга и оператора А. Москвина), они снова вроде бы отказываются от найденных и проверенных приемов и снимают поэтический фильм «Земля жаждет», в котором и трагические эпизоды вымирающей без воды пустыни и проникнутые героической патетикой эпизоды борьбы за воду поданы в суровой документальной манере.
Все эти эксперименты очень много дали молодому оператору. Работая над «Каторгой», он оценил выразительные возможности и света, в частности светового пятна, подчеркивающего главное в кадре, и кинокомпозиции, и ракурсных построений. В фильме «Земля жаждет» он постиг силу простых и безыскусных на первый взгляд документальных кадров, которые на самом деле умело «организованы» оператором. Этот фильм помог Косматову освоить ритмические закономерности кинематографа — он научился в пластическом ритме каждого кадра, в темпе движения учитывать будущий монтажный ритм фильма. Даже в немом варианте (впоследствии «Земля жаждет» была озвучена шумами и музыкой) многие эпизоды фильма производят впечатление, снятых и смонтированных под музыку.
Особенно важны были для Косматова совместные с режиссером поиски наиболее полного и глубокого показа на экране человека. Ужо в «Каторге» начала проявляться столь свойственная зрелому творчеству Райзмана любовь к психологической детали, к тонким нюансам актерской игры. Косматов
при всем своем увлечении эффектами света и ракурсов уловил эту, еще только «проклевывающуюся» черту райзманов-ской режиссуры и во многих «актерских» кадрах отказался от всяких эффектов, сосредоточив внимание зрителя на лице актера.
Иная задача встала перед ним в фильме «Земля жаждет». Здесь не было детальной психологической разработки характеров, и оператору нужно было компенсировать отсутствие глубины точностью и емкостью внешних характеристик. Кос-матов справился и с этим. Портреты комсомольцев, бедняков туркмен, старого бая настолько выразительны, что помогают зрителям домыслить образы героев, недостаточно раскрытые в действии фильма.
Благодаря разнообразию задач, которые пришлось решать оператору в первых фильмах, они оказались хорошей школой. При всей разнице манер, при всех преодоленных и непреодоленных влияниях, которые можно обнаружить в этих картинах, в них постепенно начинает выявляться собственный, «косматовский» почерк. С. Ермолинский написал в 1932 году, что три первых фильма Косматова сняты «растрепанно, неровно, но своеобразно, выразительно и подчас необычайно ярко». И далее: «Зачастую он работает «чутьем», «вслепую», ему еще не хватает спокойной уверенности мастера, хотя и командует он во время съемки решительно и твердо».
Следующий фильм Райзмана и Косматова — «Летчики» — показал, что «уверенность мастера» пришла и к режиссеру и к оператору. Это уже был поистине «райзмановский» и «косматовский» фильм.
Во всех статьях о «Летчиках» по многу раз встречаются слова «светлый», «радостный», «солнце», «простор», «движение». Действительно, атмосфера радости и света, движения и простора настолько пронизывает фильм, что даже самые строгие критики писали о нем в приподнятом топе.
Создана эта атмосфера в очень большой степени средствами изобразительными, операторскими. Но прежде чем гово-
рить о задачах творческих, следует отметить огромную техническую работу, проведенную Косматовым: оп сам конструировал тележки для съемок с движения и приспособления для крепления камеры на самолете, перекрашивал зеленые самолеты в серебристый цвет и подбирал специальные светофильтры. Он показал себя подлинным виртуозом в труднейших съемках «белого на белом» (белые халаты в больнице на фоне белых стен, белая форма летчиков на фоне очень светлого, почти белого неба и т. д.).
Такие сцены фильма, как пробег по аэродрому или сцена в солярии, стали хрестоматийными — без упоминания о них не обходится, пожалуй, ни одна книга по операторскому мастерству.
Летчик бежит по аэродрому... Вроде бы рядовой, «нроход-иой» кадр. Косматов снял его с движения. Камера неотступно следует за летчиком, открывая все новые и новые, уходящие в глубину шеренги серебристых, поблескивающих на солнце самолетов. Высокое светлое небо, огромная глубина кадра, энергичное движение бегущего летчика на первом плане — все это превратило «проходной» кадр в удивительно емкий образ мира «окрыленных людей» (так назывался сценарий А. Мачерета, по которому снят фильм).
Кульминацией фильма стал эпизод авиационного праздника, а точнее — те его кадры, в которых главный герой фильма — начальник авиашколы Рогачев — из солярия больницы смотрит на пролетающие самолеты, среди которых и самолет, сконструированный им самим. На плоскую крышу вслед за Рогачевым выбегают больные, врачи, сестры. Все смотрят вверх, в небо. А по светлым фигурам людей, по шезлонгам и белым тентам одна за другой проносятся тени самолетов...
В этих очень сложных по организации и технике съемки кадрах режиссер, оператор, актеры добились почти невозможного — ощущение праздника, радости, счастья буквально изливается с экрана в зал, не оставляя равнодушным ни одного зрителя.
Рогачев — его играл дебютировавший в кино Борис Щукин — тяжело больной человек, летчик, узнавший, что никогда больше не сможет сесть за штурвал самолета. Но он победил болезнь и запрет летать, победил, подняв в воздух свой самолет. Райзман и Косматов не показывают этот самолет, как и другие самолеты, пролетающие над больницей. Они снимают Рогачева, переживающего радость победы. И именно такое — через человека, через его чувства — решение кульминационной сцены делает ее незабываемой.
Вместе с режиссером Щукин построил роль на внешней сдержанности. Напряженную внутреннюю жизнь героя Щукин передал тончайшими нюансами мимики, интонации, движений и только в сцене в солярии позволил своему темпераменту проявиться во всю мощь.
В изобразительном раскрытии образа Рогачева Косматов шел от актера. Спокойная сдержанность Щукина определила стиль портретных кадров. Никаких эффектов, четкие и ясные композиции. Косматов даже не обыгрывает выразительную внешность Щукина, хотя сделать это было совсем нетрудно, особенно имея опыт такого фильма, как «Земля жаждет». Он снимает портреты в мягкой, светотеневой манере, позволяющей хорошо видеть мимику актера и особенно выражение его глаз. Он охотно использует съемку с движения, чтобы подойти ближе к актеру, особенно тогда, когда внешнее спокойствие маскирует внутреннее напряжение. Но при этом он нигде не отрывает героя от окружения, от второго плана, и это не случайно. Оператор пластически передает органическую связь Рогачева с окружающими его людьми — характернейшую его черту как человека новой формации, коллективиста по натуре.
Знаменитый летчик того времени Михаил Громов заявил в связи с выходом фильма на экран: «Аэропланы появлялись на экранах часто. Но пилота не было». В том, что на экране появился пилот,— огромная заслуга Райзмана и Щукина. И по праву рядом с ними должен быть назван Косматов.
В «Летчиках» он нашел свой изобразительный стиль, основанный на светотональном построении, на живописности кадра. В этом фильме «косматовская» живописность была использована и для создания выразительнейших портретов и для создания оптимистической, радостной атмосферы, для передачи глубины пространства, ощущения больших просторов, для мягкого, ненавязчивого сочетания активного фона, второго плана с действиями героев. Пристальное внимание к человеку становится отличительной особенностью большинства его картин.
«Летчики» — начало нового этапа в творческой биографий оператора. «Поколение победителей» и «Зори Парижа», «Семья Оппенгейм», «Поднятая целина» и «Дело Артамоновых» — фильмы, снятые Косматовым в это время, фильмы очень разные и по-своему интересные.
Россия конца прошлого и начала нынешнего века, Париж 1871 года, Германия 1933 года и донская станица периода коллективизации — само разнообразие эпох, национальных характеров, социальных конфликтов заставляло оператора каждый раз искать новые стилистические рашения. И Косма-тов находил их, обнаруживая глубокое знание культуры той страны, в которой происходит действие фильма.
В то же время в изобразительном строе этих фильмов было и общее — живописность, своеобразная, «косматовская» манера освещения, особое внимание оператора к портрету, стремление показать героя в живом взаимодействии со средой.
Работая, например, над «Зорями Парижа», Косматов внимательнейшим образом изучил огромный изобразительный материал, связанный с Парижской коммуной и с Францией тех лет. В романтически приподнятом стиле этого фильма — достаточно напомнить Домбровского на коне или Катрину Ми-ляр на баррикаде — ощущается дух французского искусства, особенно художников и граверов Коммуны. Но именно дух! Косматов снимал картину по-своему, нигде не прибегая к прямым заимствованиям композиционных и световых приемов.
«Зори Парижа» занимают в биографии Косматова особое место, так как это был первый фильм, над которым он работал с режиссером Г. Рошалем. В нем сразу же проявилось полное взаимопонимание режиссера и оператора, общность творческих интересов и привязанностей. На «Зорях» родилось продолжавшееся многие годы творческое содружество Рошаля, Косматова и одного из лучших советских художников кино И. Шпинеля, с которым Рошаль начал работать еще в годы немого кино, а Косматов впервые встретился на «Поколении победителей».
Вторым совместным фильмом Рошаля, Косматова и Шпинеля, фильмом, в котором наиболее ярко проявились особенности «косматовского» почерка, была «Семья Оппенгейм».
Действие фильма, поставленного по мотивам известного романа Л. Фейхтвангера, происходит в Германии в самые первые дни третьего рейха. Оператор должен был изобразительно передать нарастание коричневой волны фашистского варварства, смывающей последние иллюзии буржуазных гуманистов. В советском кино уже был накоплен опыт показа мрачной атмосферы Германии 20—30-х годов с помощью экспрессивных светотеневых построений. Да и сам Косматов с успехом применял экспрессивные композиции и контрастные световые решения в «Зорях Парижа».
Но в «Семье Оппенгейм» он пошел по другому пути. Чутко уловив сущность и дух романа, следуя за режиссерским замыслом, Косматов сосредоточил свое внимание на подробном психологическом раскрытии образов героев, на создании их реалистических портретных характеристик. А это в свою очередь потребовало реалистического, без преувеличений, изображения среды, второго плана.
Внешняя напряженность почти всюду заменена напряженностью внутренней, напряженностью мысли главных героев — здесь очень помог Косматову опыт совместной работы со Щукиным в «Летчиках» и «Поколении победителей». И он находит пластические приемы, которые передают эту внутреннюю
напряженность. В сцене ареста доктора Якоби и разгрома операционной он использует контраст черной формы эсэсовцев с белыми халатами и светлыми стенами. В сцене у памятника Арминию, снимая Бертольда с высокой верхней точки, он создает тревожную атмосферу яркими бликами света на черном, мокром после дождя асфальте.
Дата добавления: 2018-09-20; просмотров: 197; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!