Русская живопись начала и середины XVIII века
До начала XVIII века в русской живописи развивались преимущественно иконописные традиции. По воспоминаниям современников, нередко, приходя в дом чужеземца, русские по обычаю кланялись попадавшей им на глаза картине – изображение лица, размещённое в интерьере, принималось за икону.
Однако уже в конце XVI – XVII веках сложился и существовал такой вид портретной живописи, как парсуна, ставшая переходным жанром между иконописным изображением человека и светским портретом.
|
|
Слово «парсуна» происходит от искажённого латинского слова persona, что означает «личность», «особа», «лицо». До XVIII века так называли все портретные изображения людей.
В парсунах прослеживались традиции иконописи: идеализация внешности, каноничность образов, статичность поз, плоскостное письмо. Как и иконы, такие протопортреты писали на дереве темперными красками. Но в то же время парсуна приобретала черты будущего светского портрета: авторы писали с натуры, стремились к реалистичному и объёмному изображению (особенно лиц) и начинали использовать холст и масляные краски.
|
|
|
|
|
Интересное явление в истории русской живописи – портреты «Преображенской серии». Это изображения представители знатных фамилий, которые должны были участвовать в буйных развлечениях эпохи Петра I – маскарадных шествиях, шутовских праздниках, с ними царь кутил и праздновал свои победы с 1690-х годов почти до конца жизни.
Портреты были заказаны Петром I для своего нового Преображенского дворца и изображают наиболее близких и интересных государю людей. Создание серии относят к 1692 – 1700 годам, а авторство – к неизвестным русским мастерам Оружейной палаты. Некоторые портреты, изображающие бородатых людей, явно были написаны до августа 1698 года, когда вернувшийся из-за границы царь начал брить бороды.
Архаичное парсунное письмо перерастает в этих изображениях свои возможности, и мы наблюдаем, как в «Преображенской серии» совершается переход от парсуны к портрету.
Вопрос. Объясните термин «парсуна» и приведите примеры.
В XVIII веке главное место в русской станковой живописи занимает портрет во всех его разновидностях: камерный, парадный, в рост, погрудный, парный. В портрете проявился интерес эпохи к человеческой личности.
|
|
|
Один из основоположников русской светской живописи – Иван Никитин (ок. 1690 – 1742) – сын священника, был родом из Москвы. Талант и трудолюбие молодого человека позволили ему ещё до пенсионерской поездки в Италию написать несколько портретов. В них ещё ощущаются традиции парсунного письма, но очевидно и стремление художника выразить индивидуальность модели.
|
В 1716 – 1720 годах Никитин вместе с младшим братом совершенствует своё мастерство в Венеции и во флорентийской Академии художеств, на родину возвращаясь уже настоящим мастером кисти. Пётр I подарил Никитину дом неподалёку от своего дворца, присвоил звание «двора Его Величества персонных дел мастера» и рекомендовал придворным заказывать у него портреты. До 1725 года Иван Никитин – «гоф-малер» (главный художник) императора, однако подписанными сохранились только три его полотна. Выдающимися произведениями Никитина можно назвать «Портрет Петра I» (в круге, 1721), «Портрет государственного канцлера графа Г. И. Головкина» (1720-е гг.)[1], «Портрет напольного гетмана» (1720-е гг.), посмертный портрет государя – «Пётр I на смертном ложе» (1725).
|
|
|
|
|
Главные особенности портретного искусства Никитина – реализм живописи, прямота психологических характеристик, тёмный колорит с преобладанием тёплых тонов. Образы Ивана Никитина отличает значительность и наполненность внутреннего мира.
Безусловная идентификация изображённого на «Портрете напольного гетмана» затруднительна. Чин, указанный в надписи на портрете (напольный гетман), характерен для Польши и Литвы, где в начале XVIII века были должности коронного гетмана (главнокомандующего) и польного гетмана (его заместителя). Существует предположение, что «Портрет напольного гетмана» – автопортрет художника. В архивах описей имущества исследователи нашли следующие строки: «Сверх каталога данного 1765-го году найдены картины и портреты следующие <...> неизвестно портрет гетмана наполно не конченной[2] взятой из дворца без рам». На этом портрете предстаёт почти трагический образ находящегося наедине с собой, думающего горькие думы человека. Его запавшие глаза с покрасневшими веками напряженно всматриваются не вдаль, а вглубь себя. Никитин в создании этого образа выступает как большой мастер, которому под силу сложные психологические характеристики.
|
|
|
|
Посмертное изображение императора – «Пётр I на смертном ложе» – оставляет ощущение незавершённости. Краска положена жидко, местами настолько тонким слоем, что просвечивает красноватый грунт. Цветовое решение этого портрета сдержанное – зеленовато-серые тона тления, золотисто-охристые отблески свечей. Надо думать, Никитин писал с напряжением, торопился, так как времени на работу отпустили мало.
В начале 1730-х годов братья Никитины были арестованы по делу о памфлете на вице-президента Святейшего синода, более пяти лет провели в застенках Петропавловской крепости, в 1737 году биты плетьми и сосланы в Тобольск «на житьё вечное за караулом»…
Живописец Андрей Матвеев (1701/1704 – 1739) в пятнадцатилетнем возрасте поехал для обучения в Голландию. Он учился целых одиннадцать лет, освоил портретную и монументальную живопись, а по возвращении в Россию сразу же приглашён был участвовать в оформлении Петропавловского собора. Затем он возглавил Живописную команду Канцелярии от строений, то есть руководил всеми живописно-оформительскими работами на главных строительных объектах Петербурга и окрестностей новой столицы. Самое известное станковое произведение Андрея Матвеева – «Автопортрет с женой». На нём художнику не более 27 лет, а его жене Ирине – 15 или 17. Первым из русских художников Матвеев создаёт образ дружественного любовного союза.
Композиция картины проста, но продуманна: фигуры размещены на холсте горизонтального формата. Портретируемые смотрят спокойно и благожелательно. Конечно, за годы жизни в Европе Матвеев мог видеть лучшие образцы жанра супружеского портрета, но русский мастер не подражает великим европейцам. Задушевность и открытость – главные качества этого портрета, их невозможно заимствовать, не имея в собственном сердце. По словам исследователей, портрет передаёт суть введения русского человека в европейскую культуру (Матвеев буквально за руку вводит свою жену в новый мир). Лица супругов светятся, а за ними клубится тьма – перед нами использование приёма искусства барокко (диагональ движения, контрасты света и тени). Живопись Матвеева, прозрачная, «плавкая», с тончайшими переходами, мягкими светотеневыми градациями и словно растворяющимися контурами – в этом произведении достигает совершенства.
|
***
В середине XVIII века в жанре портрета работал Иван Вишняков (1699 – 1761). Около двух десятилетий он был главой Живописной команды петербургской Канцелярии от строений (что говорит и о его организаторском таланте), сменив на этом посту Андрея Матвеева. Вишняков был первым художником, который начал портретировать не особ царской крови, придворных и знать, а среднее и провинциальное дворянство. В портретах Вишнякова проявляется двоякость его школы: первоначальное обучение парсунному письму и иконописи – и более позднее обращение к искусству рококо. Отсюда некоторая условность поз моделей и плоскостное решение задников (фона), но с другой стороны – аристократическое по духу решение колоритов и выразительность лиц. Вишнякову нравилась декоративная роскошь парадных костюмов по европейской моде, их театральность и праздничность. Особенно удавались ему детские портреты. Дочь шотландского дворянина на русской службе, генерала графа Фермора, начальника Канцелярии от строений – Сарра Элеонора Фермор облачена в нарядное платье на фижмах[3], в её руке дамский атрибут – веер. Согласно обычаям того времени, Сарра изображена как взрослая девушка, в торжественной позе и наряде придворной дамы, соответственно высокому положению её семьи. Фон с тяжёлой драпировкой, колонной и балюстрадой типичен для официального парадного портрета. Фигура и позы несколько застылы, а изысканное серо-голубое платье впечатляет богатством лессировочной живописи. Над декоративным письмом костюма живёт серьёзное и грустное лицо девочки-подростка (ей около 10 лет).
|
Портретная живопись Вишнякова – это сочетание статуарной пластики парсуны и европейской валёрной[4] живописи.
[1] Как выглядит этот портрет и чем по роду службы занимался граф Гавриил Головкин, узнайте на сайте Третьяковской галереи: https://www.tretyakovgallery.ru/collection/portret-grafa-gavriila-ivanovicha-golovkina/
[2] То есть – «портрет гетмана, полностью не оконченный»!
[3] Фижмы – каркас у бёдер, конструкция, похожая на корзину, для придания пышности юбке европейского женского платья XVIII века.
[4] Валёр – это тональный нюанс.
Дата добавления: 2021-04-06; просмотров: 126; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!