Чтение стихотворения «Подснежник» Анзельмаса Матутиса
Я родился!
Я родился!
Снег пробил,
На свет явился!
Ух, какой ты, снег, колючий,
Ты холодный, снег, и злющий.
О морозах зря мечтаешь,
Очень скоро ты растаешь,
Уплывешь потоком в речку
И не скажешь ни словечка!
Попробуем разобраться, почему подснежник получил такое имя. Вслушайтесь - «подснежник». Как вы думаете, почему именно этот цветок назвали «подснежник»? Потому что он растет из под снега - «под-снеж-ник». это маленькое растение может выдержать даже большой десятиградусный мороз.
А научное название цветка - «галантус», что значит молочная капля. Как вы думаете, почему этот цветок сравнили с молочной каплей? Лепестки похожи на капли, а цвет белый, как у молока. С наступлением темноты цветок подснежника закрывается и становится очень-очень похож на каплю молока.
Слушаем пьесу П. И. Чайковского «Апрель. Подснежник».
Эпиграф из А. Н. Майкова: Ребята, дайте пьесе музыкальную характеристику.
"Голубенький, чистый Определите лад, темп, динамику, штрихи, тембр произвед.
Подснежник - цветок, …………………………………………………………………………………………………
А подле сквозистый …………………………………………………………………………………………………
|
|
|
Последний снежок. …………………………………………………………………………………………………
Последние слезы ……………………………………………………………………………………………………
О горе былом
И первые грезы
О счастье ином..."
Продолжим знакомиться с произведением А. Вивальди «Времена года». Вот так можно описать смысл этого произведения:
Написанный в 1723 году цикл из 4-х концертов " является самой известной работой Антонио Вивальди и одним из популярных произведений музыки эпохи барокко. Весна это первый концерт из цикла "Времена года".
В первой части знаменитого цикла концертов Вивальди «Времена года» при помощи музыки знаменитый композитор выразил всю мощь весны, сопровождая три произведения стихотворным сонетом, красочно описывающим явления природы. Сопровождающий прекрасную музыку сонет, Вивальди также разделил на три части: в первой выступает природа, освобождаясь от зимнего плена, во второй мирным сном спит пастушок, а в третьей – пастух пляшет с нимфами под покровом Весны. По задумке Вивальди каждому сезону соответствует определенный регион Италии и для весны это романтичная Венеция и берега Адриатики, где особенно прекрасны морские пейзажи и восход солнца над пробуждающейся от зимней спячки землей.
|
|
|
Концерт начинается веселой беззаботной мелодией, каждая нота которой говорит о восторге в связи с приходом весны. Скрипки так чудесно имитируют пение птиц! Но вот – гремит гром. Играющий в унисон оркестр грозным стремительным звучанием имитирует раскаты грома. Вспышки молнии звучат у скрипачей в гаммообразных пассажах. Когда гроза проходит, то снова в каждом звуке радость прихода весны. Снова поют птицы, оповещая о приходе весны. Парящая мелодия солирующей скрипки иллюстрирует сладкий сон крестьянина. Все остальные скрипки рисуют шелест листвы. Альты изображают лай собаки, охраняющей сон хозяина. Заканчивает весеннюю часть танец-пастораль. Буйство энергии и веселое настроение соответствует концу весны, яркость красок свидетельствует о пробуждение природы. Вивальди смог передать всю палитру природных красок звуками оркестра, все оттенки радости – пассажами скрипок!
Домашнее задание: нарисовать иллюстрации к пройденным произведениям.
Ну и наконец, пришло время вспомнить и о летних месяцах. Ребята, какие летние месяцы вы знаете? Я предлагаю вам прочитать стихи о лете.
|
|
|
Детство
Иван Бунин
Чем жарче день, тем сладостней в бору
Дышать сухим смолистым ароматом,
И весело мне было поутру
Бродить по этим солнечным палатам!
Повсюду блеск, повсюду яркий свет,
Песок — как шелк… Прильну к сосне корявой
И чувствую: мне только десять лет,
А ствол — гигант, тяжелый, величавый.
Кора груба, морщиниста, красна,
Но как тепла, как солнцем вся прогрета!
И кажется, что пахнет не сосна,
А зной и сухость солнечного лета.
Летом
Мелькают крылья ласточки
На солнце серебром;
Луга цветами убраны,
Леса шумят кругом.
|
|
|
Как солнцу рады ласточки,
Как высоко взвились!
Звенит их криком радостным
Вся голубая высь.
Поля кругом раскинулись,—
Конца им не видать.
Рожь поднялась, волнуется,—
Простор и благодать!
(И.А.Белоусов)
Лето в картинах русских художников пропитано гармонией тепла и благоухания зелени, то слегка утомленной знойной жарой, то пропитанной освежающей влагой после теплого летнего дождя в красках великолепия природы русских пейзажей.
И. Левитан Берёзовая роща Аркадий Пластов. Летом А. Пластов Сенокос
Тема: «Детский фольклор»
Сегодня, ребята, нам предстоит узнать много нового и интересного.
«В далекие времена люди на Руси жили в маленьких домиках. Эти домики назывались избами. Их строили по обе стороны дороги. Избы обносились деревянными заборами с широкими воротами. Умелые, трудолюбивые руки русских людей украшали избы и ворота красивой резьбой, вырезали из дерева петушков и прикрепляли их к верхней части ворот. Все люди, жившие в одной деревне, были хорошо знакомы между собой и любили ходить друг к другу в гости. Часто по вечерам они собирались у чьих – ни будь ворот повеселиться, сочиняли смешные песенки и распевали их. Для взрослых сочиняли взрослые песни, а для детей детские.
ПОТЕ́ШКИ — короткие стишки (реже песенки), предназначенные для развлечения детей младенческого возраста и сопровождающие элементарными игровыми движениями: во время проговаривания или пропевания потешки, их содержание разыгрывалось с помощью пальцев, рук, мимики, при этом сами дети вовлекались в игру. Назначение потешки — позабавить, развеселить ребенка, вызвать хорошее эмоциональное состояние. Наиболее популярные потешки "Ладушки" (в такт стихам хлопают детскими ладошками, при заключит словах ручки разводят и кладут на голову:"Полетели, на головку сели!"); "Сорока" (игра пальцами ребенка имитирует варку каши и раздачи ее детям); "Идет коза рогатая" (жесты взрослого изображают встречу с козой). Потешки — замечательное изобретение народной педагогики и народного поэтического творчества, основанное на глубоком проникновении в психологию раннего детства.
Прибаутки - песенки или приговоры более сложного содержания, чем потешки, которыми взрослые забавляли детей. От потешек прибаутки отличаются тем, что не связаны с игровыми действиями, а привлекают внимание ребёнка исключительно поэтическими средствами. ПРИБАУТКА (от слова баять) – это складная приговорка, поговорка, острое словцо, в пословичной одежде, присказка; иногда это короткий, смешной рассказец, анекдот; иногда пустой, но забавный набор слов. Прибаутки – стишки, песенки, рассказики для развлечения и потехи детей. Прибаутка - забавное произведение устного народного творчества. Своим содержанием она напоминает маленькую сказочку в стишках. Затейливый мир животных и птиц так похож на тот, в котором живут люди: мелют муку на мельнице, толкут овес, разъезжают на дрожках, куют в кузнице, пляшут на свадьбе, пасут скотину, тушат пожар… 
Васнецов Ю. Теремок
На Руси крестьянские дети росли на лоне природы. Лес, речка – были родными стихиями. Чтобы человек жил в полной гармонии с окружающим его миром, необходимо было с первых лет жизни прививать любовь ко всему живому. Поэтому так много ласки, добра и красоты в песенках и прибаутках о птицах и животных:
| *** Прилетели воробышки в огород, Спрашивают: «Чей горох? Чей горох?» Дима говорит: «Мой горох! Мой горох!» Воробышки говорят: «Чиви-чиви-чиви!» Дима говорит: «Кыш, пошли!» Воробышки: прррр... Полетели, полетели, На головушку Диме сели. | *** Слушай, Нина! У долины дуб стоит. На дубу сова сидит. (Толстым голосом.) «Сова, сова, тенце! Дай мне полотенце!» (Тоненьким голосом.) «Отроду не пряла, Николи не ткала». Утка говорит: «Так, так!» | *** Курицы ходят по двору, стонут: «Как быть? Как быть? Как быть?» Гуси гогочут: «А хозяина съедим! А хозяина съедим! А хозяина съедим!» А утки: «Так и надо! Так и надо! Так и надо!» Бабушка добавляет: «Хозяин глупый был: не кормил птиц». |
*** Тень-тень-потетень, Села кошка под плетень. Налетели воробьи. Хлопни им в ладошки: Улетайте, воробьи! Берегитесь кошки! *** Ворона – невеста, Сова моя теща, Воробышек – шурин, Глазки сощурил, Синичка – сестричка на полочке топ-топ, Глазами-то хлоп, хлоп! кукушка – подружка. *** На дубочке, на дубочке Тут сидят два голубочка. У них шейки голубые, У них перья золотые, Красные кафтанчики, Синие карманчики. На дубу они сидят, Меж собою говорят: Всё про Вареньку, Всё про маленьку...
| 
*** Вдоль по реченьке лебёдушка плывёт, Выше бережка головушку несёт. Белым крылышком помахивает, На цветы водицу стряхивает. *** Куша, куша, кушечка… Где моя кукушечка? У кукушки горюшко - Потеряла перышко: Серое, И белое, И в крапинку.
*** Наши уточки с утра — Кря-кря-кря! Кря-кря-кря! Наши гуси у пруда — Га-га-га! Га-га-га! А индюк среди двора — Бал-бал-бал! Балды-балда! Наши гуленьки вверху — Грру-грру-угрру-у-грру-у! Наши курочки в окно — Кко-кко-кко-ко-ко-ко-ко!
А как Петя-петушок Ранним-рано поутру Нам споёт ку-ка-ре-ку!
| 
*** Наша утя луговая, Наша утя молодая Ночевала под кустом, Под малиновым листом. Утром гуси проходили: — Га-га-га! — Нашу утю разбудили, Да, да, да!
*** Синичка, синичка, Воробью сестричка. Воробей-воришка Залез в амбаришко — Клевать просо Своим носом. *** Ворона – невеста, Сова моя теща, Воробышек – шурин, Глазки сощурил, Синичка – сестричка на полочке топ-топ, Глазами-то хлоп, хлоп! кукушка – подружка.
|
*** - Курочка-рябушечка, Куда ты пошла? - На речку. - Курочка-рябушечка, Зачем ты пошла? - За водичкой. - Курочка-рябушечка, Зачем тебе водичка? - Цыпляток поить. - Курочка-рябушечка, Как цыплятки просят пить? - Пи-пи-пи-пи-пи-пи! *** Стала курица считать Маленьких цыпляток: Белых пять И рыжих пять, А всего десяток!
| 
*** Ой, люли, та-ра-ра! На горе стоит гора, А на той горе лужок, А на том лужку дубок, А на том дубку сидит Ворон в красных сапогах, Во зелененьких серьгах. Черный ворон на дубу Играет во трубу. Труба точеная — Позолоченная. Он утром в трубу трубит, А вечером сказки говорит. Сбегаются зверьки Ворона послушать, Пряничка покушать.
| 
*** Как на нашем на лугу Стоит чашка творогу. Прилетели две тетери, Поклевали, улетели. *** Скачет галка По ельничку, Бьет хвостом По березничку. Наехали на галку Разбойнички, Сняли они с галки Синь кафтан. Не в чем галочке По городу гулять. Плачет галка, Да негде взять.
Домашнее задание: придумать потешку
|
Детские дразнилки — это коротенькие стишки, в которых высмеиваются недостатки человека. Обычно дразнилки придумывают сами дети, чтобы защититься от обидчика. Согласно Толковому словарю русского языка В.И. Даля эти немудреные выражения придумывали специально для того, чтобы намеренно рассердить обидчика. Дразнилки сложены практически для всех русских имен.
Коля, Коля, Николай,
Сиди дома, не гуляй,
В окошко не гляди,
Девчонок не дразни.
Но чаще всего детские дразнилки высмеивают различные черты характера: жадность, трусость, лень, хвастовство и т.д.
Жадина, говядина,
Соленый огурец
На полу валяется,
Никто его не ест!
С помощью дразнилок дети учатся замечать плохое, несправедливое отношение и поведение. Так дети сами занимаются исправлением недостатков друг друга. К тому же они учатся слышать слова, подбирать их по смыслу и рифмовать. Если же дразнят не за дело, то всегда можно ответить:
Кто как обзывается, тот так и называется!
Дразнилки для детей передаются из поколения в поколение, от старших к младшим. Интересно, что взрослые обычно не помнят своих детских дразнилок и даже читают их глупыми и обидными. Хотя дразнилки несут огромную пользу. С их помощью дети учатся не только подмечать плохое, но и отвечать на уколы в свой адрес. На дразнилки для детей существует достаточное количество ответов. Например,
Обзываешь меня, переводишь на себя!
Сам такой же десять раз!
Я — зеркальце(показываем обидчику ладошку, чтобы он как бы увидел свое отражение)
Написанием дразнилок для детей баловались и такие известные поэты как С. Маршак, К. Чуковский, А. Барто и др. Литературные дразнилки для детей более объективны. Поэт не стремится позорить конкретного ребенка, а высмеивает качества, которые характерны определенной группе детей.
Рыжий! 
Рыжий!
Конопатый!
Убил дедушку лопатой!
Дразнилки для детей имеют много общего с эпиграммой. Задача обоих текстов — высмеять оппонента. Дразнилки всегда произносятся нараспев, так чтобы чувствовалась рифма, отчего дети получают особенное удовольствие. Дразнилка всегда произносится громко, чтобы слышали все вокруг, и чтобы в случае чего вовремя убежать.
Колыбельные песни
Родители всегда хотят для своих детей самого лучшего. И самое дорогое, что они могут дать своему малышу — это собственную любовь и заботу. С самых первых дней кроха чувствует теплоту маминых прикосновений, слышит ее полный нежности голос. Огромную роль играют колыбельные песни. Именно они являются первым источником, посредством которого ребенок начинает свое знакомство с миром. Кстати, наши предки придавали колыбельным мистическое значение. Для каждого ребенка мама сочиняла свою колыбельную песню, которая в дальнейшем служила ему оберегом.
Сладко спи, ребенок мой, 
Глазки поскорей закрой
Баю-баю, птенчик спать!
Будет мать тебя качать,
Папа сон оберегать.
Колыбельные песни издавна помогали малышам перенестись в волшебное царство Морфея. Колыбельная песня — музыка, которая льется прямо из маминого сердца. Ребенок может еще и не понимать слова, но он отлично воспринимает интонацию и вибрацию голоса, успокаивается и засыпает. Уже давно известно, что дети, которым в младенчестве пели колыбельные, вырастают уверенными в себе, меньше подвержены фобиям и лучше выражают свои эмоции.
Уж ты, котинька-коток,
Уж ты, серенький бочок,
Приди, котя, ночевать,
Мого детку покачать.
Уж как я тебе, коту,
За работу заплачу:
Дам кувшин молока
Да кусок пирога.
А это, детские считалочки:
Тема: «Народные музыкальные инструменты»
Появление музыкальных инструментов можно отнести к эпохе первобытного человека. А не была ли первым музыкальным инструментом палка, которой первобытный человек ударил о дерево, выгоняя пчёл из дупла? При этом он невольно сравнивал звук пустого внутри дерева со звуком, который получался от удара камнем о камень. С самого раннего возраста взрослые через былины и песни, загадки и пословицы старались рассказывать детям о народных музыкальных инструментах. В доме ими становились самые простые предметы из крестьянского быта: пузырь с горохом – погремушкой; сухие дрова – ксилофоном; медный таз или горшок – звонким барабаном; связка деревянных пластинок – трещоткой… Народные инструменты чаще всего мастерили из простых природных материалов – дерева, глины, рогов животных, тростника, камыша; инструментом могли стать обыкновенная травинка, бобовый стручок, или стручок акации, кости птиц и животных.
Народные музыкальные инструменты делятся на 3 группы:
- духовые – свистульки, свирели, жалейка, рожок, волынка и т. д.
- струнные – гусли, балалайка, домра.
- Ударные – ложки, бубенцы, колокольчики, трещотка, кокошник,
рубель, коробочка, дрова и т. д.
Балалайка - русский народный трехструнный щипковый музыкальный инструмент. Первые сведения о балалайке появились в конце ХVII века. О ней мы узнаем из русских народных песен того периода.
В восьмидесятые годы ХIХ века балалайка пережила свое второе рождение.
Она была усовершенствована В.В.Андреевым, совместно с мастерами Ф.С.Пасербским и С.И.Налимовым.
Они создали также несколько разновидностей - семейство балалаек.
Это балалайка пикколо - самая маленькая балалайка, прима - обыкновенная балалайка, альт - увеличенная балалайка и бас - огромная балалайка, на которой играют стоя, упирая ее в пол.
Все балалайки трехструнные. Они составляют основу оркестра народных инструментов.
У современной балалайки треугольный деревянный корпус, на корпусе имеется гриф, на котором располагаются струны. В передней части корпуса находится резонаторное отверстие.
Основные приемы игры на балалайке: одиночные удары пальцем правой руки по струнам, чередование (достаточно быстрое) ударов вверх и вниз, защипывание пальцами одной или двух струн. Левая рука в это время прижимает струны на грифе.
Звук у балалайки звонкий, но не громкий. Она используется как сольный, ансамблевый и оркестровый инструмент. Является одним из музыкальных символов русского народа.
«С песнею ветра задумал Пастух сделать первую домру. Долго трудился мастер. И вот домра запела. Домра запела, запел и певец. Реки и горы запели. Птицы и звери запели. Небо запело.
Так говорит сказка о том великом событии. А событие действительно было великое. Древнеегипетский инструмент «танбур» проник в Россию через Персию, в купеческих караванах проехал всё Закавказье. Кстати, и сейчас в тех далёких странах, расположенных на пути купеческих караванов существуют инструменты, похожие на домру, как родные и двоюродные братья.
У грузин – чунгури и пандури, у южных славян - танбура, у киргизов и татар – думра, у калмыков – домр, у остяков – домбра. Вот, оказывается, какая большая родня у скромницы- домры. А уж голос какой у домры - звонкий, схожий с пеньем бегущего весеннего ручья. А всего–то округлый корпус, узкая длинная шейка, вдоль которой натянуты струны. Играют на домре не бряцанием всей руки, как на балалайке, не защипывают струны, как на гитаре, а маленькой пластиночкой – плектром - пробуждают каждый звук. Народные музыканты мастерили эти плектры из рыбьей косточки или пёрышка. Мастер - игрец на домре звался домрач. Самые умелые домрачи освоили волшебный приём, от которого звук домры становится похож на шелест листвы, тронутой ветром. И зовётся тот приём – тремоло. Домра на Руси попала в самую гущу народной жизни. Особенно пришлась она по душе вездесущим скоморохам – лёгкая, маленькая и очень звонкая. «Рад скомрах о своих домрах» - гласит старая пословица. 500 лет назад домра звучала всюду: на рыночных площадях, в крестьянской избе и в царских палатах. И грусть, и веселье делили люди с маленькой певуньей. Но наступили для домры и тяжёлые времена. По приказу царскому были собраны все скоморошьи инструменты. И потянулись подводы с ними к берегу Москва-реки. И запылал там многодневный костёр.
Почти на двести лет умолкла народная любимица. И лишь в конце 19 века на Севере России, в заброшенной деревне на пыльном чердаке избы случайно был найден инструмент с округлой формой корпуса. Никто из местных жителей уже не помнил ни названия, ни назначения «чудного» сокровища. И происхождение инструмента было никому неведомо. К счастью, он попал в руки Василия Андреева. «Я думаю восстановить все инструменты, на которых играл народ государства московского…, к моим балалайкам присоединяю я домры…» Как раз в ту пору музыкант собирал и изучал старинные русские инструменты, мечтая создать из них оркестр. Именно поэтому вятскому образцу и была воссоздана полузабытая русская домра. Она и стала ведущим инструментом оркестра русских народных инструментов и заняла достойное место рядом с балалайкой. Семейство домр стало разрастаться. К малой и средней домре присоединились «басистая» домра и крошечная домра-пикколо, или, как её ласково называли, «домришко». Последние два названия пришли к нам из скоморошьего прошлого русской домры.
Вот такая интересная судьба у маленького скромного музыкального инструмента.
Жили когда-то на Руси Великой люди - песенники-сказители. Они сочиняли и пели-рассказывали былины – разные истории про князя Киевского Владимира Красно Солнышко и княгиню Апраксию, их дружинушку могучую, про битвы с лютыми ворогами, про царства- государства чужеземные, заморские, про чудеса невиданные: Змеище Горынчище, морского царя Водяника с царицею Водяницею, Идолище-великанище… И сложено было этих былин и ходило их по Руси – несчётное число. И часто первые сведения о земле, на которой живут, о её героях и недругах дети получали из уст певцов-сказителей. Они ведь жили среди народа, и сами были простыми людьми. 
Самым известным певцом - сказителем, чьё имя дошло до нашего времени, конечно, был Баян.
А инструмент тот был очень древний, его история насчитывает более 14 веков. Звался тот инструмент гусли.
Название его происходит от древнеславянского слова «густы» - гудеть, а так как в нём гудела струна, то её называли «гусла». Гудящие, говорящие струны получили название «гусли».
Натягивались струны на специальный выдолбленный ящик, похожий на небольшое корыто. Дабы струны звучали громче, звонче, «яро», ящичек прикрывался специальной крышечкой-декой, сделанной из кожи или из дерева. Гусли звончатые похожи на крыло птицы или на геометрическую фигуру – трапецию. Гусли клали на колени, с наклоном в левую сторону. Струны защипывали пальцами обеих рук, либо только правой руки, а левая рука в этот момент ласково приглушала струны. Позже звук стал извлекаться плектром или медиатором (специальными пластинками), отчего звук стал ярче. На звончатых гуслях играли и бряцанием, как на балалайке, и извлекали звуки одной волной, как на арфе. Неспешно былина о Добрыне Никитиче сказывается: «А двенадцати годов он на гуслях играл. На гуслях играл, песни складывал». Несколько гуслей, исполняющих музыкальное произведение, никогда не назовут ансамблем, а обязательно скажут о них – хор гуслей. Есть у звончатых гуслей и более усовершенствованные родственники – это щипковые и клавишные гусли. Гусли считают главным украшением оркестра русских народных инструментов. И всегда гусляры сидят в центре и впереди всего оркестра, проявляя тем самым уважение к столь древнему и столь заслуженному инструменту.
Свирель – это деревянная дудочка. С одной стороны у нее острый клюв. В самой дудочке есть игровые отверстия. Бывает и двойная свирель, которая состоит из двух спаренных дудочек. Свирель изготавливается из дерева с мягкой древесиной — крушины, орешника, клёна или черёмухи, ивы, бузины. Сердцевину дерева вынимали тоненькой палочкой, один конец дудочки срезали. А в дудочке делали обычно 6 отверстий, но могло быть от 4 до 8 отверстий. Вот и получалась свирель – деревянная дудочка, на которой играли пастухи. Ее еще называли на Руси «сопилкой»
В руки ты ее возьмешь,
То растянешь, то сожмешь!
Звонкая, нарядная,
Русская, двухрядная.
Заиграет, только тронь,
Как зовут ее?
(……………………………)
Как называют гармонь в этой загадке – она какая? (Русская, звонкая, нарядная, двухрядная). Почему гармонь называют двухрядной? Где у нее эти два ряда? А если бы было три ряда, то как бы мы могли сказать про гармонь? (Пусть ребенок попробует по аналогии придумать слово «трехрядная»). А если был бы один ряд, то как бы мы сказали? (Однорядная). Гармонь – это очень интересный музыкальный инструмент. Он и не струнный, и не ударный, и не духовой. Он клавишно-пневматический. Почему «клавишный»? Потому что у него есть клавиши – кнопочки. Музыкант нажимает на кнопочки, и раздается звук. Правой рукой музыкант играет мелодию, а левой аккомпанирует. По бокам у гармони клавиатура с кнопками или клавишами. А между ними – камера, в которую накачивается воздух. Воздух накачивается к звуковым планкам гармошки, и она звучит. Именно поэтому инструмент – «пневматический», в нем работает невидимка-воздух.
Рубель использовался в повседневной жизни крестьян: в прежние времена, когда утюгов не было, бельё гладили, накручивая его во влажном состоянии на скалку и затем долго утрамбовывали рубелем. Возможно, что кто – то когда – то случайно провёл по его зубцам другим упругим инструментом и получился искристый каскад звуков, похожий на тот, который мы извлекаем палкой из досок забора. На рубеле играют деревянной палочкой. Отличие музыкального рубеля от бытового в том, что музыкальный рубель пустотелый, и звучит более громко и гулко. Если бы рубель был цельным, то звук был бы намного глуше.
Коробочка – это очень скромный, но важный инструмент русского народного оркестра (показ). Это небольшой, продолговатый, тщательно обструганный и даже отшлифованный со всех сторон деревянный кленовый или берёзовый брусок с небольшой полостью под верхней частью корпуса, которая служит резонатором. Звук извлекают барабанными или ксилофонными палочками. Коробочкой подчёркивают отдельные ритмические точки, имитирующие цоканье копыт.
Трещотка — русский народный ударный музыкальный инструмент, известный с давних времён.
Состоят трещотки из набора 14-20 тонких дощечек длиной 16-18 см, сделанных обычно из дуба и соединённых между собой плотной верёвкой, продетой в отверстия верхней части дощечек. Для того, чтобы дощечки вплотную не прикасались друг к другу, между ними вверху вставлялись небольшие пластинки из дерева шириной приблизительно 2 см. За счет этого и образуется довольно специфический, но приятный слуху звук, напоминающий треск. Трещотка изготавливается обязательно из совершенно сухого дерева, желательно дуба — именно это обеспечивает музыкальные свойства инструмента. 
Тема: «Инструменты, не входящие в оркестровые группы: арфа и орган»
Ребята, давайте знакомиться с новыми музыкальными инструментами. Знакомьтесь, это великолепная арфа.
Арфа - многострунный щипковый музыкальный инструмент. Это один из самых древних музыкальных инструментов. О нем знали еще в древнем Египте. Свое происхождение арфа ведет от лука с натянутой струной, которая мелодично звучала при выстреле. Позже звук тетивы стали использовать как сигнал. Человек, впервые натянувший на лук три-четыре тетивы, которые из-за своей неодинаковой длины издавали звуки разной высоты, И стал создателем первой арфы.
Первоначально арфы имели лукообразную форму. В древности на Востоке, в Греции и в Риме арфа оставалась одним из самых распространенных и любимых инструментов. Часто ею пользовались для сопровождения пения. На протяжении многих веков арфа была символом Ирландии.
Постепенно арфа приобретала треугольную форму, современный вид она получила с начала ХIХв. Количество струн увеличилось до 44-46 штук, причем все они имеют разную длину и настройку. Верхняя часть инструмента изогнута, имеется семь педалей, с помощью которых можно перестраивать струны, повышая или понижая звук.
Тембр арфа имеет очень нежный, звук негромкий, постепенно замирающий. Играют на арфе двумя руками, всеми пальцами (кроме мизинцев), защипывая струны. Арфа считается женским инструментом. В настоящее время арфа входит в состав симфонического оркестра, ее звучание в нем придает многокрасочность исполняемым произведениям, романтичность, сказочность. На арфе играют в оркестре, в ансамблях или соло.
Нежные переливы,
Гармонии ладные звуки,
То арфы моей мотивы,
То слезы мои и муки...
Плачет она так горько,
Смеется так чудно, дивно,
И правду вещает только,
И смотрит на мир наивно...
Ей имя - Лесная Арфа,
Чья песня летит по свету,
И нежно звучит, и жарко,
Прекраснее арфы нету...
Орган – самый большой музыкальный инструмент, уникальное человеческое творение. В мире нет двух одинаковых органов. Гигантский орган обладает множеством различных тембров. Это достигается за счет использования сотен металлических труб разного размера, через которые продувают воздух, и трубы начинают гудеть, или «петь». Причем орган позволяет тянуть звук сколь угодно долго с постоянной громкостью. Трубы расположены горизонтально и вертикально, некоторые подвешены на крюках. В современных органах их число доходит до 30 тысяч! Самые большие трубы имеют высоту свыше 10 м, а самые маленькие – 1 см.
Система управления органом называется кафедрой. Это сложный механизм, которым управляет органист. У органа несколько (от 2 до 7) ручных клавиатур (мануалов), состоящих из клавиш, как на фортепиано. Раньше на органе играли не пальцами, а ударяли кулаками. Есть еще ножная клавиатура или просто педаль, имеющая до 32 клавиш.
Обычно исполнителю помогают один или два ассистента. Они переключают регистры, сочетание которых порождает новый тембр, не похожий на исходный. Орган может заменить целый оркестр, потому что его диапазон превышает диапазон всех инструментов оркестра
Сейчас чаще всего орган используется на богослужениях. В некоторых церквях и соборах устраивают концерты или органные богослужения. Помимо этого, есть органы, установленные в концертных залах. Самый большой орган в мире находится в американском городе Филадельфия, в универмаге «Маккейз». Его вес составляет 287 т.
Музыку для органа писали многие композиторы, но раскрыл его возможности как виртуоз-исполнитель и создал непревзойденные по глубине произведения как гений-композитор Иоганн Себастьян Бах.
Самостоятельно освоить игру на органе практически невозможно. Это требует большого музыкантского опыта. Обучение на органе начинается в училищах, при наличии навыков игры на фортепиано. Но хорошо овладеть игрой на этом инструменте возможно, продолжив обучение в консерватории.
Загадка
Инструмент тот с давних пор
Украшал собой собор.
Украшает и играет,
Весь оркестр заменяет
Тема: «Инструменты духового и эстрадного оркестра» 
Саксофон - духовой музыкальный инструмент. Саксофон был назван в честь своего изобретателя - бельгийца Адольфа Сакса. Изобретение было запатентовано в мае 1846 года. Саксофон представляет собой изогнутую трубку с клювообразным мундштуком, на конце небольшой раструб. На стволе располагаются от 1 8 до 21 отверстия, которые закрываются при помощи клапанов. Корпус саксофона изготавливается из меди или её сплавов. Сверху инструмент покрывается слоем серебра, золота или лака. Подушечки на клапанах делаются из кожи. Звук из саксофона извлекается вдуванием воздуха в трубку и нажатием пальцев на клапаны. Саксофонист прикладывает мундштук к губам и посылает струю воздуха, одновременно, пальцами правой руки нажимая на клапаны. Саксофон является одним из основных инструментов джазового оркестра. Применяется также в духовом, эстрадном и симфоническом оркестрах и как сольный инструмент
Труба - относится к группе медных духовых инструментов. Ее прообразом были инструменты, изготавливаемые в древности из рогов животных. В Ветхом Завете рассказывается об осаде города Иерихон. На седьмой день священники стали обходить стены города, трубя в трубы. От их звука стены неожиданно рухнули. С тех пор выражение «труба иерихонская» означает очень громкий звук, «трубный глас».
В Скандинавии изготавливали инструмент из бивня мамонта – лур. Позднее, когда научились плавить железо, рога заменили на металлические трубы. Родоначальник всех медных духовых инструментов – горн (от немецкого слова «хорн» – рог). Прогресс неизменно отражался на качестве и форме изготовляемых труб. Менялась толщина листа металла, из которого делался инструмент, менялся и металл (медь, бронза, серебро).
Труба была прежде всего сигнальным инструментом в войсках, в Средние века их применяли в рыцарских церемониях, брали с собой в походы. Широко применяют трубу и в джазовых ансамблях. Американские трубачи – Майлз Дэвис и Луи Армстронг оказали значительное влияние на развитие джазовой музыки XX в. Впервые ввел трубу в оперный оркестр итальянский композитор Клаудио Монтеверди. В опере «Орфей» он использовал пять самостоятельных партий для труб.
Ударная установка
Ударная установка (барабанная установка) — ударный музыкальный инструмент. Представляет собой набор барабанов, тарелок и других ударных инструментов, приспособленный для удобной игры музыканта-барабанщика. Обычно используется в джазе, роке, попе и других типах современной музыки.
История, происхождение. Ранние ударные установки были известны под названием trap kits (короткое рекламное название). Обычно в наборе были бас-барабан, малый барабан на подставке, маленькая тарелка и другие ударные инструменты, прикреплённые к бас-барабану или к небольшому столу.
На всех этих инструментах, за исключением бас-барабана, играли палочками или щётками. Бас-барабан периодически пинали ногой для извлечения звука, отчего все ещё осталось название kick drum. В наше время бас-барабан всегда управляется педалью. Иногда играют даже двумя педалями для достижения большей частоты ударов.
На данный момент ударные установки делятся, прежде всего, на акустические и электронные.
Состав стандартной ударной установки таков:
Тарелки : 
- крэш (crash);
- райд (ride);
- хай-хэт (hi-hat).
Барабаны:
- высокий том-том (high tom-tom);
- низкий том-том (middle tom-tom);
- напольный том-том (floor tom-tom);
- малый барабан (snare drum);
- бас-барабан (bass drum).
Духовой оркестр
Оркестр, в состав которого входят духовые (деревянные и медные или только медные) и ударные музыкальные инструменты, один из массовых исполнительских коллективов. Как устойчивое исполнительское объединение сформировался в ряде стран Европы в 17 в. В России появился в конце 17 — начале 18 вв. (военно-духовые оркестры при полках русской армии). Инструментальный состав таких оркестров постепенно совершенствовался. Современный духовой оркестр имеет 3 основные разновидности, представляющие собой оркестры смешанного типа: малый (20), средний (30) и большой (42—56 и более исполнителей). В состав большого духового оркестра входят: флейты, гобои, кларнеты саксофоны, фаготы, валторны, трубы, тромбоны, корнеты, альты, теноры, баритоны, басы и ударные инструменты с определённой и без определённой высоты звука. При исполнении концертных произведений в состав духовых оркестров эпизодически вводятся арфа, челеста, фортепиано и др. инструменты.
Современные духовые оркестры ведут разностороннюю концертно-популяризаторскую деятельность. В их репертуаре почти все выдающиеся произведения отечественной и мировой музыкальной классики
Подпишите музыкальные инструменты:
Тема: «Содержание музыкальных произведений. Программная музыка»
О чём может рассказать музыка своим языком? Она может нарисовать картину природы, повторив в музыке пение птиц, раскат грома, шум дождя, передать движение поезда, бег коня, полёт птиц. Но главная особенность музыки-умение передать настроение и чувства человека.
Чтобы понимать язык музыки, надо не только слушать её, но и слышать. Это понятия разные. Можно просто слушать, не задумываясь над тем, что хочет композитор, а можно слушать внимательно. И тогда ты обязательно услышишь, о чём эта музыка, какие чувства и настроения она передаёт, какие картины рисует.
Сегодня вы услышите немало музыкальных произведений. Попробуйте дать услышанным пьесам своё название и нарисовать к ним иллюстрацию.
Тема: «музыкальный инструмент-человеческий голос»
Ребята, мы начинаем изучать с вами очень интересную тему. Мы будем знакомиться с вами с разновидностями человеческого голоса. Каждый человек обладает своим, неповторимым голосом. Голос человека, как и голос музыкального инструмента, обладает своим уникальным тембром.
Женские певческие голоса
Итак, основные виды женских певческих голосов – это сопрано, меццо-сопрано и контральто. Они различаются, прежде всего, диапазоном, а также тембровой окраской. К числу тембровых свойств можно отнести, например, такие, как прозрачность, лёгкость или, наоборот, насыщенность, сила голоса.
Сопрано – женский самый высокий певческий голос, его обычный диапазон – две октавы (целиком первая и вторая октава). В оперных спектаклях часто партии главных героинь исполняются именно певицами с таким голосом. Если говорить о художественных образах, то лучше всего высокий голос характеризует молодую девушку или какого-нибудь фантастического персонажа (например, фею).
Сопрано по характеру звучания разделяют на лирическое и драматическое – вы и сами легко можете представить себе, что партии девушки очень нежной и девушки сильно страстной не может исполнять одна и та же исполнительница. Если голос с лёгкостью справляется с быстрыми пассажами и фиоритурами в своём высоком регистре, то такое сопрано называют колоратурным.
Меццо-сопрано – женский голос с более густым и сильным звучанием. Диапазон этого голоса – две октавы (от ля малой октавы до ля второй). Меццо-сопрано обычно поручаются партии зрелых женщин, сильных и волевых по характеру.
Контральто – уже говорилось о том, что это самый низкий из женских голосов, притом очень красивый, бархатный, к тому же и очень редкий (в некоторых оперных театрах нет ни одного контральто). Певице с таким голосом в операх нередко поручают партии мальчиков-подростков.
Мужские певческие голоса
Основных мужских голоса всего три – это тенор, бас и баритон. Тенор из них самый высокий, его высотный диапазон – ноты малой и первой октав. По аналогии с тембром сопрано, исполнителей, обладающих этим тембром, разделяют на теноров драматических и теноров лирических. Кроме того, иногда упоминают такую разновидность певцов, как «характерный» тенор. «Характер» ему придаётся каким-нибудь фоническим эффектом – например, серебристостью или дребезжанием. Характерный тенор просто незаменим там, где требуется создать образ седовласого старика-старца или какого-нибудь хитреца-пройдохи.
Баритон – этот голос отличается своей мягкостью, густотой и бархатностью звучания. Диапазон звуков, которые может спеть баритон, заключается в пределах ля большой октавы до ля первой октавы. Исполнителям с таким тембром часто поручаются мужественные партии персонажей опер героического или патриотического плана, однако мягкость голоса позволяет раскрывать и любовно-лирические образы.
Бас – голос самый низкий, может петь звуки от фа большой октавы до фа первой. Басы бывают разные: одни раскатистые, «гудящие», «колокольные», другие жёсткие и очень «графичные». Соответственно и партии персонажей для басов отличаются разнообразием: это и героические, и «отцовские», и аскетические, и даже комические образы.
Наверное, вам интересно узнать, какой же из мужских певческих голосов самый-самый низкий? Это бас-профундо, иногда певцов с таким голосом называют также октавистами, так как они «берут» низкие ноты из контроктавы. Кстати, мы ещё не упомянули о самом высоком мужском голосе – это тенор-альтино или контртенор, который совершенно спокойно поёт почти женским голосом и с лёгкостью достигает высоких нот второй октавы.
Мария Каллас
Одна из выдающихся певиц прошедшего века Мария Каллас при жизни стала настоящей легендой. К чему бы ни прикоснулась артистка, все озарялось каким-то новым, неожиданным светом. Она умела взглянуть на многие страницы оперных партитур новым, свежим взглядом, открыть в них доселе неизведанные красоты.
Мария Каллас (настоящее имя Мария Анна София Цецилия Калогеропулу) родилась 2 декабря 1923 года в Нью-Йорке, в семье греческих эмигрантов. Несмотря на небольшой достаток, родители решили дать ей певческое образование. Необыкновенный талант Марии проявился еще в раннем детстве. В 1937 году вместе с матерью она приезжает на родину и поступает в одну из афинских консерваторий, к известному педагогу Марии Тривелла. Под ее руководством Каллас подготовила и исполнила в студенческом спектакле свою первую оперную партию — роль Сантуццы в опере «Сельская честь» П. Масканьи. Столь знаменательное событие произошло в 1939 году, который стал своеобразным рубежом в жизни будущей певицы. Она переходит в другую афинскую консерваторию, «Одеон афион», в класс выдающейся колоратурной певицы испанки Эльвиры де Идальго, которая завершила шлифовку голоса и помогла Каллас состояться как оперной певице. В 1941 году Каллас дебютировала в Афинской опере, исполнив партию Тоски в одноименной опере Пуччини. Здесь она работает до 1945 года, постепенно начиная осваивать ведущие оперные партии. Ведь в голосе Каллас заключалась гениальная «неправильность». В среднем регистре у нее слышался особый приглушенный, даже как бы несколько сдавленный тембр. Знатоки вокала считали это недостатком, а слушатели видели в этом особое очарование. Не случайно говорили о магии ее голоса, о том, что она завораживает аудиторию своим пением. Сама певица называла свой голос «драматической колоратурой».
Казалось, что в оперных партиях Каллас проживает кусочки своей жизни. Одновременно она отражала и женскую судьбу вообще, любовь и страдания, радость и печаль.
В самом знаменитом театре мира — миланском «Ла Скала» — Каллас появилась в 1951 году, исполнив партию Елены в «Сицилийской вечерне» Дж. Верди.
На протяжении семнадцати лет Каллас пела практически не жалея себя. Исполнила около сорока партий, выступив на сцене более 600 раз. Кроме того, непрерывно записывалась на пластинки, делала специальные концертные записи, пела на радио и телевидении.
Зрители шли на ее спектакли не только для того, чтобы услышать великолепное сопрано, но и для того, чтобы увидеть настоящую трагическую актрису.
В сентябре 1973 года началась «постлюдия» артистической карьеры Каллас. Десятки концертов в разных городах Европы и Америки снова сопровождались самыми восторженными овациями слушателей. Придирчивые рецензенты, правда, едко замечали, что аплодисменты больше адресовались «легенде», нежели певице 70-х годов. Но все это не смущало певицу. «У меня нет более строгого критика, чем я сама, — говорила она. — Конечно, с годами я кое-что потеряла, однако и приобрела нечто новое… Публика не станет аплодировать только легенде. Вероятно, она аплодирует потому, что ее ожидания, так или иначе оправдались. А суд публики — самый справедливый…»
Может быть, тут вообще нет никакого противоречия. Согласимся и с рецензентами: слушатели встречали и провожали овациями «легенду». Но ведь имя этой легенды — Мария Каллас…
Елена Образцова родилась в Ленинграде 7 июля 1939 года. Отец — Василий Образцов, инженер, мать — Наталья Образцова, конструктор. Детство будущей оперной певицы было прочно связано с Великой Отечественной войной. Отец сразу же ушел на фронт. С первых ее дней и до весны 1942 года Елена Образцова с мамой переживали блокаду, пока не были эвакуированы по Ладожскому озеру в Вологодскую область. Здесь они прожили до конца войны, а отец вернулся лишь спустя год, и семья воссоединилась уже в Ленинграде. С самых юных лет, еще в пятилетнем возрасте, маленькая Елена Образцова интересовалась музыкой. Делала все, напевая разные мелодии или подпевая песням с грампластинок. Голосок у нее был тоненький, комариный. Когда по радио шли оперные передачи, могла слушать их часами, не отрываясь. У отца был красивый баритон, к тому же он умел играть на скрипке. Из командировки в Италию Василий Образцов привез коллекцию пластинок: Карузо, Галли-Курчи. Образцова слушала их часами. Первой обратила внимание на красивый голос Елены руководительница хора в детском саду, но узнав об этом, родители не придали особого значения. Тем не менее, именно эта преподавательница развила в Елене Образцовой природную любовь к пению. Затем семья переехала сначала в Таганрог, затем в Ростов-на-Дону. Здесь, в 1957 году, на одном из отчетных концертов вокальных курсов ее заметили, предложили поступать в Ростовское музыкальное училище. Год спустя после окончания, Елену приняли в Консерваторию в Ленинграде. И из 100 человек Елена Образцова оказалась в тройке зачисленных. После окончания консерватории в 1964 году, Елена Образцова сразу же стала солисткой Большого театра. Были концерты в Японии, затем в Италии. На сцене «Ла-Скала» Елена исполнила партии гувернантки («Пиковая дама» Чайковского) и княжны Марьи («Война и мир» Прокофьева). Далее были выступления в мировых столицах: Нью-Йорк, Париж, Рим, Прага. И везде — настоящие овации. Принято считать, что именно северная столица раскрыла музыкальный талант Елены Образцовой. Графиня из «Пиковой дамы» стала символом Санкт-Петербурга. Подлинная стихия певицы — музыка высоких романтических чувств, исполненная глубокой, страстной экспрессии, порывистости, лирической проникновенности и одухотворенности. В репертуаре певицы более 80 партий, среди них Марина Мнишек в «Борисе Годунове», Любаша в «Царской невесте, Кармен, Княжна Марья в «Войне и мир». Елена Образцова с огромным успехом гастролировала по всему миру, в ее репертуаре были произведения более 100 композиторов. В 1975 году была признана в Испании лучшей исполнительницей партии Кармен в мире. С 1974 по 1993 Елена Образцова преподавала в Московской государственной консерватории имени П.И.Чайковского. За время своей карьеры Елена Образцова встретилась с такими известными лицами как Пласидо Доминго, Мария Каллас, Галина Вишневская, Рикардо Мути, Спиваков, Кабалье и многие другие. Оперная певица записала более 50 дисков: среди них оперы, оратории, кантаты, сольные диски с произведениями камерной и оперной музыки.
Лина Мкртчян родилась в городе Одессе.
С 17 лет училась в Москве в Академии музыкального искусства им. Гнесиных, Московской Государственной Консерватории им П. И. Чайковского и в Российской Академии Театрального Искусства (ГИТИС). Будучи студенткой, исполняла сложнейшие произведения, в том числе написанные специально для ее исполнения и посвященные ей. Уникальный голос певицы отличается необыкновенно широким диапазоном, и потому, будучи одним из лучших современных контральто, она поет также в различных диапазонах сопрано. В репертуаре певицы – музыка семи веков (свыше 800 произведений): от итальянских песен (лауд) XIII века и духовной музыки до произведений, написанных в наши дни. Лина – первая русская певица, исполнявшая русскую духовную музыку в Ватикане. За свою уникальную интерпретацию Франца Шуберта она стала единственной иностранной певицей, приглашенной принять участие в немецком национальном фестивале "Шубертиана". Ее концерты проходили при неизменных аншлагах на лучших сценах мира. Л. Мкртчян является автором двух программ на радио и одной на телевидении. Вот уже 9-й год Лина Мкртчян является автором и ведущей московского Духовно-просветительского цикла «Возвращение на Родину».
Иван Семенович Козловский родился 24 марта 1900 года в селе Марьяновка Киевской губернии. Первые музыкальные впечатления в жизни Вани связаны с отцом, который прекрасно пел, играл на венской гармонике. У мальчика рано пробудилась любовь к музыке и пению, он имел исключительный слух и от природы поставленный красивый голос. Неудивительно, что совсем юным, подростком, Ваня стал петь в хоре Троицкого народного дома в Киеве. Вскоре Козловский уже солист Большого академического хора. Хором руководил известный на Украине композитор и хормейстер А. Кошиц, ставший первым профессиональным наставником талантливого певца. Именно по рекомендации Кошица в 1917 году Козловский поступил в Киевский музыкально-драматический институт на вокальный факультет, в класс профессора Е.А. Муравьевой. С отличием окончив институт в 1920 году, Иван уходит добровольцем в Красную армию. Он определен в 22-ю стрелковую бригаду инженерных войск и направляется в Полтаву. Получив разрешение совмещать службу с концертной работой, Козловский участвует в постановках Полтавского музыкально-драматического театра. В Большой театр Козловский пришел уже не дебютантом, а сложившимся мастером. Тембр голоса, манера пения, актерские данные — все в молодом тогда артисте изобличало ярко выраженную, редкую индивидуальность. Голос Козловского никогда не отличался особой мощью. Но свободное извлечение звука, умение концентрировать его позволяло певцу „прорезать“ большие пространства. Козловский может петь с любым составом оркестра и с любым ансамблем. Его голос звучит всегда чисто, звонко, без тени напряжения. В 1927 году Козловский спел Юродивого, ставшего вершинной ролью в творческой биографии певца и подлинным шедевром в мировом исполнительском искусстве. Отныне этот образ стал неотделим от имени его создателя.
…Ленский Чайковского и Юродивый Мусоргского. Трудно найти во всей русской оперной классике более несхожие, более контрастные, даже в известной степени чуждые по своей чисто музыкальной эстетике образы, а между тем и Ленский и Юродивый — едва ли не в равной степени высшие достижения Козловского.
Он спел самые разные партии — лирические и былинные, драматические, а порой и трагические. Самые лучшие из них — Звездочет („Золотой петушок“ Н.А. Римского-Корсакова) и Хосе („Кармен“ Ж. Бизе), Лоэнгрин („Лоэнгрин“ Р. Вагнера) и Принц („Любовь к трем апельсинам“ С.С. Прокофьева), Ленский и Берендей, Альмавива и Фауст — трудно перечислить все роли.
Жизнь и творческая деятельность И.С. Козловского — пример для каждого, кто взял на себя миссию быть артистом и служить своим искусством народу.
Дмитрий Хворостовский родился в 1962 году в Красноярске. Отец – Хворостовский Александр Степанович. Мать – Хворостовская Людмила Петровна. Супруга – Флоранс. Есть дети. Любовь к вокальному искусству Дмитрий Хворостовский во многом унаследовал от отца. Инженер-химик по специальности, Александр Степанович собрал огромную коллекцию записей звезд мировой оперной сцены, сам прекрасно пел и музицировал на фортепиано. В доме всегда звучала хорошая музыка. Певческий талант Дмитрия Хворостовского проявился рано. Природа наделила его голосом, уникальным по своим возможностям и гибкости. С раннего возраста он исполнял арии, старинные русские романсы и песни. Окончив Красноярское педагогическое училище имени А.М. Горького, затем Красноярский институт искусств с 1985 по 1990 год был солистом Красноярского государственного театра оперы и балета. Началом стремительного развития профессиональной карьеры певца послужили победы сначала на всесоюзных, а затем и на международных конкурсах. В 1987 году он стал лауреатом 1-й премии на Всесоюзном конкурсе певцов имени М.И. Глинки, а через год был удостоен Гран-при на Международном конкурсе певцов в Тулузе (Франция). В 1989 году имя Дмитрия Хворостовского стало всемирно известным, когда он победил на телевизионном конкурсе Би-би-си «Певец мира» в Кардиффе (Великобритания), завоевав единственный приз и титул «Лучший голос». «Последний из популярных русских баритонов... оказался обладателем самого прекрасного и изысканного голоса, который в настоящее время можно услышать из уст певца... Дмитрий Хворостовский уже является звездой первой величины...». Дмитрий Хворостовский признан не только как выдающийся оперный певец, но и как мастер исполнения произведений камерного и кантатно-ораториального жанров. 
Федор Иванович Шаляпин родился 13 февраля 1873 года в Казани, в бедной семье Ивана Яковлевича Шаляпина, крестьянина из деревни Сырцово Вятской губернии. Мать, Евдокия (Авдотья) Михайловна (урожденная Прозорова), родом из деревни Дудинской той же губернии. Уже в детском возрасте Федор обладал красивым голосом (дискант) и часто подпевал матери, «подлаживая голоса». С девяти лет пел в церковных хорах, пытался научиться играть на скрипке, много читал, но вынужден работать учеником сапожника, токаря, столяра, переплетчика, переписчика. В двенадцать лет участвовал в спектаклях гастролировавшей в Казани труппы в качестве статиста. Неуемная тяга к театру приводила его в различные актерские труппы, с которыми он кочевал по городам Поволжья, Кавказа, Средней Азии, работая то грузчиком, то крючником на пристани, часто голодая и ночуя на скамейках. Затем молодой певец перебрался в Тифлис, где брал бесплатные уроки пения у известного певца Д. Усатова, выступал в любительских и ученических концертах. В 1894 году пел в спектаклях, проходивших в петербургском загородном саду «Аркадия», затем в Панаевском театре. 5 апреля 1895 года дебютировал в партии Мефистофеля в опере «Фауст» Ш. Гуно в Мариинском театре.
В 1896 году Шаляпин был приглашен С. Мамонтовым в Московскую частную оперу, где занял ведущее положение и во всей полноте раскрыл свой талант, создав за годы работы в этом театре целую галерею незабываемых образов в русских операх: Иван Грозный в «Псковитянке» Н. Римского-Корсакова (1896); Досифей в «Хованщине» М. Мусоргского (1897); Борис Годунов в одноименной опере М. Мусоргского (1898) и др. «Одним великим художником стало больше», — писал о двадцатипятилетнем Шаляпине В. Стасов.
«В русском искусстве Шаляпин — эпоха, как Пушкин», — писал М. Горький. В опоре на лучшие традиции национальной вокальной школы Шаляпин открыл новую эру в отечественном музыкальном театре. Он сумел удивительно органично соединить два важнейших начала оперного искусства — драматическое и музыкальное.
С 24 сентября 1899 года Шаляпин — ведущий солист Большого и одновременно Мариинского театров, с триумфальным успехом гастролирует за рубежом.
Божественная красота голоса Шаляпина покоряла слушателей всех стран. Его высокий бас, поставленный от природы, с бархатистым, мягким тембром, звучал полнокровно, мощно и обладал богатейшей палитрой вокальных интонаций. Эффект художественного перевоплощения изумлял слушателей, — тут не только внешний облик, но и глубокое внутреннее содержание, которое передавала вокальная речь певца.
Домашнее задание: Написать мини-сочинение про любого знаменитого певца.
Тема: «Виды ансамблей и хоров»
Такое вы, наверное, слышали не раз. "Ансамбль из оперы "Пиковая дама". Или: "Я люблю камерно-инструментальные ансамбли больше других музыкальных жанров". Или: "У этих исполнителей прекрасный ансамбль..."
И в каждом случае слово ансамбль имеет другое значение. Ансамбль - от французского ensemble (вместе) - означает совместное исполнение. Это наиболее общее понятие. Прежде всего, оно подразумевает наличие музыки, написанной для совместного исполнения.
В соответствии с количеством исполнителей, ансамбль называется дуэтом (для двух исполнителей), трио или терцетом (для трех), квартетом (для четырёх), квинтетом и т. д.
Ансамбли могут быть вокальными или инструментальными. Последние всегда относятся к области камерной музыки, первые же, чаще всего, являются эпизодами оперного спектакля. Например, опера "Евгений Онегин" Чайковского начинается ансамблем: звучит дуэт Татьяны и Ольги за сценой, а на сцене, перед зрителями, беседуют Ларина и няня. В целом образуется квартет - одновременное пение четырех действующих лиц.
Типы хоровых коллективов
Под наименованием тип хора понимают характеристику исполнительского коллектива по составляющим группам певческих голосов. Известно, что певческие голоса распределяются на три группы — женские, мужские и детские. Таким образом, хор, объединяющий голоса одной группы, называется однородным, а хор, имеющий комбинации из женских (или детских) и мужских голосов или певческих голосов всех групп, зовется смешанным. В исполнительской практике распространены четыре типа хоров: женские, мужские, детские, смешанные.
- смешанный хор (наиболее распространенный тип хора) — состоит из женских и мужских голосов. Женские голоса составляют партии сопрано и альтов, мужские голоса составляют партии теноров и басов. Внутри каждой партии обычно бывают подразделение на первые (более высокие) и вторые (более низкие) голоса: сопрано I и II, альты I и II, тенора I и II, басы I и II;
- хор мальчиков и юношей — состоит из тех же четырех основных партий, что и смешанный, но партию сопрано исполняют мальчики, именующиеся дискантами, партию альтов — низкие мальчиковые голоса; партии теноров и басов в таком хоре, так же как и в смешанном, исполняются мужчинами;
- мужской хор — состоит из теноров и басов, с подразделением каждой партии на два голоса: первые (высокие) и вторые (низкие) тенора и первые и вторые басы. Партия первых теноров может быть расширена за счет певцов-контратеноров, поющих (фальцетом) еще более высокую партию, по тесситуре находящуюся за пределами обычного мужского голосового диапазона;
- женский хор — состоит из сопрано и альтов, с подразделением каждой партии на два голоса: первые и вторые сопрано и первые и вторые альты;
- детский хор — состоит из двух партий: сопрано (дискантов) и альтов, иногда из трёх — сопрано (дискантов) I и II, и альтов; возможны и другие варианты.
Минимальное количество певцов в одной хоровой партии — 3 человека.
С точки зрения манеры пения различают:
- академические хоры — поющие в академической манере. Академическая манера пения основана на принципах и критериях музыкального творчества и исполнительства, выработанные профессиональной музыкальной культурой и традициями многовекового опыта оперного и камерного жанров;
- народные хоры — поющие в народной манере. Жанровыми признаками русских народных хоров являются: опора на местную или областную традицию бытового народного пения; использование натурального регистрового звучания голосов; подголосочно-полифонический распев песни как основа хорового многоголосия.
Тема: «Элементарные формы и жанры»
ЖАHР (франц. genre) — род муз. произведений.
В широком смысле этот термин применяют к различным отраслям музыки: оперный жанр, симфонический жанр и т.д. Правильное более узкое понимание этого термина, применяемое к разновидностям основных отраслей: жанры оперы — комическая опера, лирическая опера и т.д., Жанры симфонической музыки — симфония, увертюра, сюита и т.д., Жанры камерной музыки — романс, соната, квартет и т.д.
Песня — один из древнейших видов искусства. Сначала это была самодеятельная (народная, фольклорная) песня и только потом появилась песня профессиональная. От песни произошли другие виды искусства: поэзия и музыка. Так, например, в Музыкальной Энциклопедии сказано: "Песня — наиболее распространенный род вокальной музыки. Истоки жанра песни уходят в глубокую древность. В античном искусстве поэзия и музыка не были разделены и существовали в виде единого искусства песни.
Видели вы когда-нибудь, как идут солдаты? Сначала они молча печатают шаг под команду командира, а потом над строем взвивается звонкий голос, запевающий бодрую солдатскую песню. Он поет несколько строф, а потом все подхватывают ее дружным хором. То, что поет один - солист, - это запев песни. А то, что поют вместе, называется-припев. Состоит песня не из одного, а как правило, из нескольких куплетов. Музыка в них обычно не меняется или изменяется очень немного, а вот слова каждый раз другие. Припев же всегда остается неизменным и по тексту, и по музыке.
МАРШ — один из основных бытовых муз. жанров. Маршу присущи строгий, неизменный темп, четкий ритм, активные мелодические интонации, которые часто образуют фанфарные ходы. Муз. размер — почти исключительно 4/4, иногда 2/4.
ТАНЕЦ (польск. taniec, от нем. Tanz), вид искусства, в котором основное средство создания художественного образа — движения и положения тела танцовщика. Танцевальное искусство — одно из древнейших проявлений народного творчества. Танец непосредственно связан с музыкой. У каждого народа сложились свои национальные традиции танца. На этой основе сформировался сценический танец. Возникли танцы в глубокой древности, тогда они были выражением сильных эмоций (охваченный ликованием человек пускается в пляс). Совместный танец усиливает переживаемое чувство, как самих участников, так и зрителей. Изначальная функция танца — выражение эмоциональной жизни, используя слаженные движения. Древние люди отмечали танцами многие важные события своей жизни: рождение, смерть, война. С помощью различных танцев они выражали свои пожелания о дожде, о солнечном свете, о плодородии, о защите и прощении. Танцевальные па происходят от основных форм движений человека - ходьбы, бега, прыжков, поворотов и раскачиваний. Их сочетания со временем преобразовались в па традиционных танцев.
Трехчастная форма – одна из самых распространенных. Она часто встречается в песнях и романсах, в маршах и танцевальной музыке, в инструментальных миниатюрах. Средняя часть иногда называется трио. Это идет с тех времен, когда среднюю часть исполнял не весь оркестр, а небольшая группа музыкантов, чаще – трое. Повторение первой части в трехчастной форме, как и любое повторение, называется репризой.
Схема трёхчастной формы: А В А
Дата добавления: 2019-08-30; просмотров: 286; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!