Классический симфонизм Гайдна
МХК. 11 КЛАСС. КОМПОЗИТОРЫ ВЕНСКОЙ КЛАССИЧЕСКОЙ ШКОЛЫ
Когда сегодня говорят о классицизме в музыкальном искусстве, в большинстве случаев имеют в виду творчество композиторов XVIII в. — Глюка, Гайдна, Моцарта и Бетховена, которых мы называем венскими классиками или представителями Венской классической школы. Это новое направление в музыке стало одним из самых плодотворных в истории музыкальной культуры.
Национальная австрийская музыкальная культура того времени оказалась замечательной средой для создания такого пласта в музыкальном искусстве, который отвечал новым идеям и настроениям. Венские композиторы-классики сумели не только подытожить всё лучшее, чего достигла европейская музыка, но и сделать собственные творческие открытия.
Глюк — реформатор оперного стиля
В середине XVIII в. оперное искусство переживало далеко не лучшие времена: оперы почти не ставились, а те, которые шли на сценах театров, представляли собой попурри из разнообразных арий, дуэтов и танцев. Глюку, любимцу публики, автору множества опер, написанных в традиционном декоративном стиле, исполнилось уже пятьдесят лет. Казалось, было поздно открывать в музыке новые горизонты. Но композитор сделал решительный шаг, благодаря которому вошёл в историю музыкальной культуры как выдающийся реформатор оперного стиля.
Кристоф Виллибальд Глюк
Музыкальное творчество Кристофа Виллибальда Глюка (1714—1787) — одна из славных страниц в истории французской оперы. Его музыкальные трагедии «Орфей и Эвридика» (1762), «Альцеста» (1767), «Парис и Елена» (1770), «Ифигения в Авлиде» (1774), «Армида» (1777) и «Ифигения в Тавриде» (1779) отличают благородная простота, драматизм и героика.
|
|
|
Глюк родился в небольшом австрийском городке Эрасбахе, недалеко от границы с Чехией. Музыкальное образование он получил в Праге, позднее брал уроки у известных мастеров итальянской оперы. Но особый успех его оперные произведения имели во Франции.
Критически переосмыслив и подытожив то лучшее, что было достигнуто «серьёзной оперой», Глюк создал жанр музыкальной трагедии. Если в придворной опере Франции «предпочитали... остроумие чувству, галантность страстям, а изящество и колорит стихосложения патетичности», то Глюк усилил её трагедийное звучание. Он вновь вернулся к девизу композиторов Флорентийской камераты — drama per musica («драма через музыку»), провозгласил принцип главенства драмы над музыкой.
И действительно, герои его опер, терзаемые роковыми страстями, решали для себя, казалось, неразрешимые вопросы, когда на карту были поставлены судьба отечества, честь и жизнь человека. Ради любви, дружбы и блага других людей они готовы были на любую жертву. В ариях, возникающих в моменты эмоционального напряжения, звучали интонации глубокой скорби, крики боли и гнева, страстные призывы к справедливому отмщению и мужественной борьбе.
|
|
|
В.Д. Поленов. Эскиз декораций к опере "Орфей и Эвридика". 1897 г.
В реформаторской опере Глюка «Орфей и Эвридика», поставленной в 1762 г. в Вене, на первый план выдвинуты столкновение роковых сил и воли певца Орфея, его готовность бороться за встречу с любимой Эвридикой. Обратившись к известному мифологическому сюжету, который до него уже пользовали несколько десятков композиторов, Глюк усилил его трагедийное звучание. Сцены оплакивания умершей Эвридики в подземном царстве, мучительные жалобы и искушения Орфея заставляли публику глубоко и искренне переживать происходящее сцене. Но в самые напряжённые моменты действия трагическая развязка не наступала... Неожиданно появлялся Амур, который возвращал Орфею возлюбленную Эвридику. В финале звучала торжественная музыка, исполнялись танцы.
Глюк написал речитатив таким образом, чтобы на первом месте был смысл слов в исполняемых партиях. Поющие герои должны были продемонстрировать публике не только своё техническое мастерство, но и артистические качества. Хор превратился в составную часть общего действия.
|
|
|
Главные задачи своего творчества Глюк определял такими словами: «Простота, правда и естественность — вот три великих принципа прекрасного во всех произведениях искусства».
Строго следуя этим принципам, он убирает все музыкальные излишества и украшения, «даёт поэзии больше новой выразительной силы», сокращает до минимума количество действующих лиц. Увертюра к опере теперь в большей степени выражает главную идею действия. Арии певцов становятся короче, речитатив отличается напевностью, его сопровождают не только клавесин, как это было ранее, но и другие звучные инструменты, например, тромбон. Оркестр становится эмоциональным резонатором драматического действия.
Современники упрекали Глюка в «отсутствии утонченности и благородства», «потере вкуса», ему ставили в вину «вопли горести и отчаяния», «конвульсивные рыдания» и «крики физической боли», но начало оперной реформе уже было положено.
Классический симфонизм Гайдна
В историю мировой музыкальной культуры Йозеф Гайдн (1732—1809) вошёл как создатель классической симфонии, которая до сих пор остается ведущим жанром музыкального искусства. Ему также принадлежит заслуга в создании инструментальной музыки и формировании устойчивого состава симфонического оркестра.
|
|
|
Творческое наследие Гайдна поистине ошеломляюще! Он является автором 104 симфоний, 83 струнных квартетов, 52 клавирных сонат, 24 опер... Кроме того, им создано 14 месс и несколько ораторий. Во всём, что написано известным австрийским композитором чувствуется непревзойдённый талант и блестящее мастерство. Неслучайно его не менее знаменитый соотечественник и друг Моцарт с восхищением говорил: «Никто не в состоянии делать всё: и балагурить, и потрясать, вызывать смех и глубоко трогать, и всё одинаково хорошо, как это умеет Гайдн».
Йозеф Гайдн
Творчество Гайдна уже при жизни композитора приобрело европейскую известность и по достоинству было оценено современниками.
Музыка Гайдна — это «музыка радости и досуга», она светла и естественна, лирична и изысканна. Композиторская фантазия Гайдна, казалось, не знала границ. Его музыка богата контрастами, паузами и неожиданными сюрпризами. Так, в 94-й симфонии (1791), в середине второй части, когда музыка звучит спокойно и тихо, неожиданно раздаются мощные удары литавр только для того, чтобы зритель «не скучал» ...
Симфонии Гайдна — подлинная вершина его творчества. Не сразу складывалась музыкальная форма симфонии. Первоначально количество её частей варьировалось, и лишь Гайдну удалось создать её классический тип в четырёх частях, каждая из которых различалась характером звучащей музыки, темпом и приёмами развития темы. При этом четыре контрастные части симфонии взаимно дополняли друг друга.
Первая часть симфонии (греч. symphonia — созвучие) обычно исполнялась в быстром, стремительном темпе. Она активна и драматична, обычно в ней передан основной конфликт двух образов-тем. Вторая — медленная, лиричная, навеянная созерцанием прекрасных картин природы. Она способна вызвать в душе размышления, сладостные мечты и грёзы воспоминаний. В третьей звучит живая, подвижная музыка, первоначально восходящая своими ритмами к менуэту — спокойному салонному танцу XVIII в., позднее — к скерцо — весёлой танцевальной музыке шутливого характера. Быстрая четвёртая часть напоминает музыкальную форму рондо с чередованиями неизменной темы — рефрена (припева) и постоянно обновляемых эпизодов. В ней, как правило, подводятся итоги развития тем и образов.
Общий характер музыки симфоний Гайдна образно и поэтично выразил немецкий писатель Э.Т.А. Гофман (1776—1822): «В сочинениях Гайдна господствует выражение детски радостной души; его симфонии ведут нас в необозримые зелёные рощи, в весёлую пёструю толпу счастливых людей, перед нами проносятся в хоровых плясках юноши и девушки; смеющиеся дети прячутся за деревьями, за розовыми кустами, шутливо перебрасываясь цветами. Жизнь, полная любви, полная блаженств и вечной юности, как до грехопадения; ни страданий, ни скорби — одно только сладостно элегическое стремление к любимому образу, который носится вдали, в розовом мерцании вечера, не приближаясь и не исчезая, и пока он находится там, ночь не наступает, ибо он сам — вечерняя заря, горящая над горою и над рощею».
В симфонической музыке Гайдн нередко использовал приём звукоподражания: пения птиц, журчания ручья, давал зримые зарисовки восхода солнца, «портретов» животных. Музыка композитора вбирала словацкие, чешские, хорватские, украинские, тирольские, венгерские, цыганские мелодии и ритмы. В последние годы жизни Гайдн создал самые значительные музыкальные произведения. В двенадцати «Лондонских симфониях», написанных в 90-е годы, нашли выражение жизненная философия и мировоззрение композитора. Под влиянием музыки Генделя он создал две величественные оратории - «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801), приумножившие и без того шумную славу композитора.
Последние годы жизни Гайдн провёл в уединении, в маленьком домике на окраине Вены. Он почти ничего не писал. Чаще предавался воспоминаниям о своей жизни, полной смелых начинаний и экспериментаторских поисков.
Музыкальный мир Моцарта
Путь Вольфганга Амадея Моцарта (1756—1791) в музыке начинался ярко и блистательно. С самых ранних лет жизни его имя стало легендой. В четыре года ему требовалось полчаса, чтобы разучить менуэт и тут же сыграть его. В шесть лет он вместе с отцом Леопольдом Моцартом, талантливым музыкантом капеллы архиепископа города Зальцбурга, гастролировал с концертами по Европе. В одиннадцать — сочинил первую оперу, а в четырнадцать дирижировал на премьере собственной оперы в театре Милана. В том же году он получил почётное звание академика музыки Болоньи.
В.А. Моцарт
Однако дальнейшая жизнь талантливого композитора сложилась непросто. Положение придворного музыканта мало чем отличалось от положения услужливого лакея, выполняющего любые прихоти своего хозяина. Не таков был характер Моцарта, человека независимого и решительного, больше всего в жизни ценившего понятия чести и достоинства. Пройдя многие жизненные испытания, он ни в чём не изменил своим взглядам и убеждениям.
В историю музыкальной культуры Моцарт вошёл как блистательный сочинитель симфонической музыки, создатель жанра классического концерта, автор «Реквиема» и трёх оперных шедевров: «Свадьбы Фигаро», «Дон Жуана» и «Волшебной флейты». Подчёркивая значение его творческого наследия, хочется повторить вместе с А.С. Пушкиным:
Ты, Моцарт, Бог, и сам того
не знаешь...
В оперном искусстве Моцарт прокладывал собственную дорогу, отличную от своих знаменитых предшественников и современников. Редко используя мифологические сюжеты, он главным образом обращался к литературным источникам: средневековым легендам и пьесам известных драматургов. Моцарт впервые соединил в опере драматическое и комическое начало. В его оперных произведениях не было чёткого деления персонажей на положительные и отрицательные; герои то и дело попадали в самые различные жизненные ситуации, в которых и проявлялась суть их характеров.
В отличие от Глюка, выдвигавшего на первый план роль звучащего слова, Моцарт придавал первостепенное значение музыке. Его творческим принципом стали собственные слова о том, что «поэзия должна быть послушной дочерью музыки». В операх Моцарта возросла роль оркестра, с помощью которого автор мог выразить своё отношение к действующим лицам. Нередко он проявлял сочувствие к отрицательным героям, а над положительными не прочь был от души посмеяться.
«Свадьба Фигаро» (1786) была поставлена по пьесе французского драматурга Бомарше (1732—1799) «Безумный день, или Женитьба Фигаро». Моцарт сильно рисковал, выбирая для постановки запрещённую цензурой пьесу. В результате появилась весёлая опера в стиле итальянской комической оперы-буфф. Энергичная, лёгкая музыка, звучащая в этом произведении, заставляла зрителей серьёзно задуматься над жизнью. Один из первых биографов композитора очень точно подметил: «Моцарт сплавил воедино комическое и лирическое, низкое и возвышенное, смешное и трогательное и создал невиданное по своей новизне творение — «Свадьбу Фигаро».
Цирюльник Фигаро, человек без рода и племени, хитростью и умом побеждает сиятельного графа Альмавиву, который не прочь приударить за невестой простолюдина. Но Фигаро хорошо усвоил нравы высшего света, а потому его не провести утончёнными жестами и словесной паутиной. За свое счастье он борется до конца.
В опере «Дон Жуан» (1787) трагическое и комическое, фантастическое и реальное переплетены не менее прочно. Сам Моцарт не случайно дал ей подзаголовок «Весёлая драма». Следует подчеркнуть, что тема донжуанства была не нова в музыке, но в её раскрытии Моцарт нашёл особые подходы. Если раньше в центре внимания композиторов были дерзкие похождения и любовные авантюры Дон Жуана, то теперь перед зрителями представал обаятельный человек, преисполненный рыцарской отваги, благородства и мужества. С большим сочувствием Моцарт отнёсся и к раскрытию душевных переживаний оскорблённых им женщин, ставших жертвами любовных интриг Дон Жуана. Серьёзные и величественные арии Командора сменялись весёлыми и озорными мелодиями хитроумного Jleпорелло, слуги Дон Жуана.
«Музыка оперы полна движения, блеска, необычайно динамична и ажурна. В этом произведении царствует мелодия — гибкая, выразительная, пленительная в своей свежести и красоте. Партитура изобилует чудесными, виртуозно разработанными ансамблями, великолепными ариями, дающими певцам широчайшие возможности выявить все богатства голосов, продемонстрировать высокую вокальную технику» (Б. Кремнев).
Э. Шиканедер в костюме Папагено в опере Моцарта "Волшебная флейта". 1791 г.
Опера-сказка «Волшебная флейта» (1791) — любимое произведение Моцарта, его «лебединая песня» — стала своеобразным эпилогом жизни великого композитора (была поставлена в Вене за два месяца до его смерти). В доступной и увлекательной форме Моцарт воплотил в ней идею неизбежной победы светлого и разумного начала жизни над силами разрушения и зла. Волшебник Зарастро и его верные помощники, преодолев множество жестоких испытаний, всё же создают мир Мудрости, Природы и Разума. Чёрная месть, злоба и коварство Царицы Ночи оказываются бессильны перед всепобеждающими чарами любви.
Опера имела потрясающий успех. В ней звучали мелодии сказочных игр, волшебных опер, народных ярмарочных балаганов и кукольных спектаклей. К сожалению, и эта замечательная опера не принесла Моцарту ни гроша...
В симфонической музыке Моцарт достиг не меньших высот. Особой популярностью пользуются три последние симфонии Моцарта: ми-бемоль мажор (1788), соль минор (1789) и до мажор, или «Юпитер» (1789). В них прозвучала лирическая исповедь композитора, его философское осмысление пройденного жизненного пути.
«Юпитер» Моцарта — одно из чудес симфонической музыки, особенно благодаря финалу, в котором «полифонический гений великого мастера, обладавший способностью из ничтожного материала строить колоссальные здания, — проявился во всей непостижимой силе» (П.И. Чайковский). В этом грандиозном творении Моцарта соединились героика и лирика, драматизм и безудержное веселье, высокая патетика и шутливая беспечность. Сливаясь воедино, они зримо воссоздали светлую и радостную картину бытия.
Моцарту принадлежит заслуга в создании жанра классического концерта для различных музыкальных инструментов. Среди них 27 концертов для фортепиано с оркестром, 7 для скрипки с оркестром, 19 сонат для фортепиано, сочинения в жанре фантазий, в основе которых лежала свободная импровизация. С ранних лет, играя почти ежедневно, он выработал виртуозную манеру исполнения. Всякий раз он предлагал слушателям новые сочинения, поражая их творческой фантазией и неистощимой силой вдохновения. Одно из лучших сочинений Моцарта в этом жанре — концерт для фортепиано с оркестром ре минор (1786).
Творчество Моцарта представлено выдающимися сочинениями духовной музыки: мессами, кантатами, ораториями. Вершиной его духовной музыки стал «Реквием» (1791) — грандиозное произведение для хора, солистов и симфонического оркестра. Музыка реквиема глубоко трагична, полна сдержанной и благородной скорби. Лейтмотив произведения — судьба страдающего человека, предстающего перед лицом сурового Божьего суда. С потрясающей драматической силой он раскрывает во втором хоре «Dies irae» («День гнева») картины смерти и разрушения, контрастирующие со скорбной мольбой и трогательными жалобами. Лирической кульминацией «Реквиема» стала «Lacrimosa» («Лакримоза» — «Слёзный день этот»), музыка, проникнутая трепетным волнением и просветлённой печалью. Необычайная красота этой мелодии сделала её широко известной и популярной во все времена.
Смертельно больной Моцарт не успел закончить это произведение. По наброскам композитора оно было доработано одним из его учеников.
Дата добавления: 2019-02-22; просмотров: 246; Мы поможем в написании вашей работы! |
Мы поможем в написании ваших работ!